Si eres un
beatlemaníaco o tan solo te agradan algunas de sus canciones y acostumbras silbar
o tararear una de sus líneas de bajo, de guitarra o de piano; o acostumbras
escuchar “Love Me Do” o “Eight Days a Week” imitando el sonido de las palmas, eso
es gracias al BEATLE
GEORGE MARTIN… el forjador de los Beatles.
Paul McCartney
no puede mezquinarle su condición de miembro de la banda pues sin las cuerdas
que George Martin
colocó a su canción emblemática, “Yesterday”,
hubiera parecido otra cancioncita de amor insípida. O, qué decir de las cuerdas en "Eleanor Rigby".
"Eleanor Rigby" Strings, producción George Martin
Una de las
características del fanático de los Beatles es su inclinación por la música
clásica y estilos populares refinados, porque la música que hacía la banda era mucho más que rock’n’roll, esto… gracias a George Martin.
Son ya lejanos
aquellos tiempos en que las estrellas de la música no reconocían más méritos
que los suyos como la razón única de su fama y desconocían los méritos de
aquellos que los rodeaban pero desaparecían bajo sus embotadas sombras. Vivimos en
una época de lucha constante contra los abusos laborales, en que unos pocos se
arrogan los méritos (y se llevan los réditos). La historia debe colocar a Martin en el lugar que
le corresponde y este no es otro que como parte de la banda.
"Because", arreglo musical, George Martin
"Something", acompañamiento orquestal, producción George Martin
Cuando los otros
cuatro decidieron prescindir de su trabajo (álbum Let It Be), la calidad
declinó; cuando volvieron a él (álbum Abbey Road) la despedida fue a toda
regla.
Al fin y al
cabo, lo que escuchamos en los discos, más que una letra de John, Paul, George
o Ringo, es el trabajo de su productor.
Gracias George Martin,
por darnos una banda como The Beatles.
"Golden Slumber - Carry That Weight", acompañamiento orquestal,
producción George Martin
"Pepperland", composición George Martin para el Soundtrack de la película
"Yellow Submarine"
Notas:
A continuación fragmentos extraidos del libro "El sonido de los Beatles. Memorias de su Ingeniero de Grabación"de Geoff Emerick y Howard Massey, setiembre 2011, editorial Aibana Productora Editorial S.L., en los que se describe el trabajo de George Martin en algunas de las canciones insertadas en este post.
- "Eleanor Rigby" álbum Revolver, 1966.-
"...Después de escuchar a Paultocar esta preciosa canción a la guitarra acústica, George Martin consideró que el único acompañamiento necesario era un doble cuarteto de cuerdas: cuatro violines, dos violas y dos violoncelos. Al prinicipio a Paul no le gustó demasiaso la idea (temía que quedara demasiado empalagoso, demasiado <<Mancini>>), pero George terminó de convencerlo, asegurándole que escribiría un arreglo de cuerda que se adecuara a la canción". (Pag. 144).
- "Because" álbum Abbey Road, 1969.-
"Todos estaban de acuerdo en que la canción pedía a gritos unas lujosas armonías, lo que era el fuerte de George Martin. Encantado de poder contribuir por fin en algo, pasó muchas horas con John, Paul y George Harrison alrededor del piano mientras creaba el complejo arreglo nota por nota.
Sin embargo, antes había que grabar una pista base, y George Martin tembién se implicó mucho en la misma. John había compuesto la canción con la guitarra, eligiendo notas individuales en lugar de tocar acordes, pero pensaba que necesitaba algo más.
--¿Por qué no doblo la línea al clavicémbalo? --sugirió George, y Lennon estuvo de acuerdo de inmediato:
--Sí, muy bien, eso ayudará también a que suene más clásica.
Nunca supe lo que quería decir en realidad con éste último comentario hasta años más tarde, cuando John desveló en una entrevista que había basado libremente el acompañamiento de la canción en los lánquidos arpegios de la sonta Claro de Luna de Beethoven.
De modo que George Martin bajó al estudio, junto a John y Ringo, mientras Paul y George Harrison permanecían en la sala de control. La tarea de Ringo consistía en llevar el tempo, hacer de claqueta humana; debía marcar un tempo firme con el charles como referencia. Enconrvados sobre los instrumentos, profundamente concentrados, trabajaron durante horas en la pista base...". (Pag. 310).
- "Something", "Golden Slumbers"/"Carry That Weight",álbum Abbey Road, 1969.-
Hasta entonces todos los instrumentos de Abbey Road habían sido tocados por alguno de los cuatro Beatles. A diferencia de Sgt. Peppers, Magical Mystery Tour y el Álbum Blanco, ningún músico de fuera había intervenido en absoluto. A John ya le parecía bien, pero tanto Paul como George Harrison querían añadir instrumentos sinfónicos a algunos de sus temas. En consecuencia, George Martin escribió arreglos y contrató a los mejores músicos de Londres para una sesión maratoniana...
La jornada se dividió en dos partes: una sesión de tarde, grabando los arreglos del popurrí de <<Golden Slumbers>>/<<Carry That Weight>>; y una sesión de noche, en que añadiríamos la orquesta a los temas de George Harrison <<Here Comes The Sun>> y <<Something>>...". (Pag. 317).
- "Pepperland", álbum Yellow Submarine, 1969.-
Indican Geoff Emerick y Howard Massey que, debido a que los derechos de toda la orquestación que aparece en la banda sonora de la película Yellow Submarine habían sido adquiridos por la productora United Artists, además de haber sido grabada en sus propios estudios, no podía aparecer en un álbum de Parlaphone, EMI o Apple Records. Por ello es que la partitura tubo que ser nuevamente grabada con una orquesta contratada por EMI. De ahí que la música suena diferente en la película que en el disco que los Beatles publicaron el año 1969 (Pag. 282).
Cabe señalar que, existen versiones respecto de la disconformidad por parte de los Beatles y su administración de haber permitido en su momento que la orquestación compuesta por George Martin haya sido publicada junto con un trabajo de ellos. El hecho es que, para la edición del 30 aniversario (1999), la orquestación de Martin despareció para dar cabida a otras canciones de la banda que aparecieron en la película y este formato ha sido introducido como parte del catálogo oficial de los Beatles: "Yellow Submarine Songtrack" (en clara referencia a la omisión de la orquestación).
No existe noticias o información que indique si alguna vez la orquestación de George Martin, que recibió críticas elogiosas, sera publicada nuevamente en forma independiente, lo cierto es que la situación lo afectó a él como ahora a sus herederos de percibir regalías por su trabajo.
Reafirmando lo dicho en la parte principal de este post, termino preguntando ¿la historia hubiera sido la misma si los Beatles no hubieran tenido la suerte de contar con George Martin como productor? Paul, ahora que estas frenéticamente entusiasmado con el relanzamiento de tu idea que hace 50 años fracazó con el nombre de "Let It Be" y ahora retomas con un nuevo material filmográfico bajo el título de "Get Back", ¿te has puesto a pensar que lo más sustancial de ese proyecto: la música, pese a nuevas remasterizaciones, sigue siendo una de las más flojas del catálogo de la banda y casualmente en la producción del disco no participó en mucho George Martin?
The Beatles
Soundtrack:
"Eleanor Rigby" Strings, producción George Martin (Anthology 2) 1995;
"Because", arreglo musical, George Martin (Abbey Road DeLuxe) 2019;
"Something", acompañamiento orquestal, producción George Martin (Abbey Road DeLuxe) 2019;
"Golden Slumber - Carry That Weight", acompañamiento orquestal,
producción George Martin (Abbey Road DeLuxe) 2019;
"Pepperland", composición de George Martin (banda sonora filmYellow Submarine) 1969.
23 de agosto de 1968. Ciudad de Chicago. Los diarios calificaron la represión contra los manifestantes que se congregaron en los alrededores del edificio donde se llevaba a cabo la Convención Demócrata como un ofensiva militar en toda regla
Contrario a lo que muchos creen, Donald
Trump no es el primer cerdo que se ha postulado a la presidencia de los Estados
Unidos, pues en 1968 se le adelanto otro, este si hijo de buena madre y noble
linaje, Pigasus, un simpático ejemplar de cola enroscada proveniente de
la granja porcina de la comuna hippie Hog Farm, cuya candidatura fue presentada
por los radicales Abbie Hoffman, Jerry Rubin y Paul Krassner en la convención del Partido Demócrata de ese año.
1968sería un año harto difícil para la sociedad estadounidense
puesto que su clase política, consiente que seguir difundiendo la idea del
sueño americano no era suficiente para mantener ocultos los males endémicos que
padecía el país, no tuvo mejor idea que
recurrir a la persecución y represión violenta de aquellos sectores que exigían
cambios inmediatos y concretos y que por añadidura se oponían sin cuartel a nuevas
aventuras militares como la guerra de Vietnam. Es el año en que tras la muerte
inexplicada de John F. Kennedy el miedo recrudeció. En abril caería abatido por
una bala que le atravesó el cuello el líder pro-derechos civiles y Premio Nobel
de la Paz Martin Luther King Jr; en junio en plena conferencia de prensa Robert
Kennedy, candidato de fuerza a la presidencia por el Partido Demócrata, moriría
también baleado ante los ojos de sus seguidores y la prensa de todo el mundo. Para
colmo frente a cualquier protesta la autoridad política no tendrá reparos en
ordenar se dispare a matar contra las masas.
En el
mes de febrero, Hoffman, Rubin y Krassner, con el apoyo de intelectuales como
Allen Ginsberg, habían fundado el movimiento Youth International Party -o simplemente Yippie- que debía entenderse como una alternativa para hacer una
revolución en plan de joda, que llamara la atención de la sociedad pensante hacia una forma de
vida distinta que proponía más sentido del humor, tolerancia, integración,
experimentación con drogas alucinógenas y por sobre todo amor en lugar de un sistema
violento e inhumano que machacaba a la mayoría.
Los Yippies llegan a Chicago
Los
Yippies no eran políticos militantes sino hippies provenientes de San Francisco
que habían aprendido de los universitarios de Berkerley sus métodos de acción y
propaganda y a organizarse de tal manera que pudieran defender sus ideales.
Había culminado el verano del amor de
1967 en gran parte por la intervención policial
en lo que fue el lugar de origen y centro neurálgico de la movida
hippie, el barrio de Haight y Ashbury, y porque el nuevo gobernador del estado
de California, el mediocre actor de cine Ronald Reagan, les había declarado la
guerra. Los hippies estaban convencidos que se requería un cambio espiritual,
interior en el modo de entender la vida y que tenían derecho a creer en ello.
No buscaban modificar la estructura social, pues ni siquiera entendían que era
eso, mucho menos buscaban conquistar el
poder.
Presentación oficial de Pigasus como candidato a la presidencia de los Estados Unidos, parque Lincol, Ciudad de Chicago. 1968
Se
suponía que los organizadores de la Youth International Party habían
considerado unir fuerzas con otros movimientos, con fines e ideales distintos, que se alistaban a reunirse en la ciudad de Chicago en ocasión de la convención
Demócrata a realizarse en el mes de agosto para exigir a la clase política en
general que reconozca la existencia de puntos de vista diferentes, aunque en
realidad tenía como finalidad hacer un cargamontón contra el gobierno de Lindon
B. Johnson y su política interna como externa.
En la
conferencia de prensa en que se dio a conocer el lanzamiento de la Youth
International Party, Hoffman, Rubin y Krassner prometieron que su aporte sería
la organización de un festival músico poético, denominado Festival de la Vida a realizarse en el Lincol Park, tan igual como
los festivales hippies que se llevaban a cabo en el Golden Gate Park de San Francisco desde el año 1966. Para acentuar
el matiz divertido del propósito de la participación del movimiento, anunciaron
que ahí se lanzaría la candidatura de Pigasus, el cerdo que había
alcanzado fama por haber sido la mascota
que la comuna Hog Farm llevó en su viaje
por Europa y Asia.
Represión policial en Chicago, 1968
Con
lo que no contaron los Yippies y las otras organizaciones era la forma brutal y
antidemocrática que el alcalde de la ciudad de Chicago, Richard Diley, había
planificado para reprimirlos y no permitirles ganar la atención en desmedro de
la Convención Demócrata.
En
agosto, mes en que se celebraría el evento, la ciudad parecía un territorio
sitiado, lleno de efectivos de la policía, la guardia nacional y el ejército. Cualquiera
podía pensar que se preparaba una ofensiva contra un enemigo alzado en armas
que una contra estudiantes e idealistas. La prensa también fue su objetivo.
Ni los periodistas se salvaron de la tanda
Un
hecho que radicalizó la actitud de Diley fue el haber recibido una carta en que
se le advertía que el agua potable de la ciudad sería contaminada con ácido
lisérgico. Esto hizo sospechar a muchos que alguien estaba interesado en que la
situación se descontrole.
Fin de la carrera política de Pigasus. La policía lo detiene
A
partir de ello la fuerza al mando de Diley impidió a los manifestantes reunirse
en los parques y marchar a través de las calles a punta de varazos, sin embargo
también les había cerrado las rutas de salida de la ciudad y los dispersaba con
gases y balas. En medio de esta situación los dirigentes de la Youth
International Party muestran ante los periodistas a Pigasus, inmediatamente
un agente se hizo del cerdo mientras otros policías se encargaron de reducirlos
y detenerlos.
El
saldo de detenidos y heridos fue tan grande que los mismos miembros del partido
Demócrata rechazaron y denunciaron como contraria a los valores democráticos la
estrategia de Richard Diley.
A más "amor y paz", más palo
Pese
a ello una centena de personas sería sometida a procesos penales acusados por
delito de asociación para delinquir, disturbios y ataque y resistencia contra
la autoridad. Sorpresivamente el día que fueron absueltos tras una ardua lucha
de sus abogados ante los tribunales, Hoffman, Rubin y Krassner confesaron a la
prensa que su verdadero propósito fue solo causar desorden, esto es, se
confesaron como meros agitadores, lo que dio pie a que Allen Ginsberg los acusara
de traidores. Con el paso de los años se atribuyó a Rubin el haber sido la persona que amenazó con contaminar el agua potable de la ciudad. Era la mejor manera de provocar a la autoridad. No tuvo en consideración las consecuencias ni le seguridad de los chicos y chicas que creían que luchaban por un ideal.
En
cuanto a Pigasus, nadie supo más de él, quizá terminó en alguna
salchichería de la ciudad de Chicago.
“Ese to… ese to… eso es todo
amigos”
-Porki-
Notas:
- En la génesis de la movida hippie existió una
participación activa de colectivos de personas dedicadas o no a la actividad
artística que la incentivó además de prestar auxilio con alimentos, vestimenta,
cobijo y atención sanitario a la enorme cantidad de adolescentes y jóvenes que
de todas partes de la unión se congregaron en Haight y Ashbury bajo el ideal
del amor y una nueva forma de vida. Uno de estos colectivos era la Hog Farm,
dirigida y administrada por el poeta y actor de teatro Hugh Romney conocido en
el ambiente literario de la generación beat y que fue rebautizado como Wavy Gravy por B.B. King(otras comunas célebres fueron los Diggers y los Merry Pranksters, estos
últimos conocidos por haber organizado los primeros viajes colectivos de
ácido).
Wavi Gravy
Los Hog Farm fueron
los encargados de la “seguridad” en el festival de Woodstock en agosto de 1969.
A Wavy Gravy se le puede apreciar en
la película organizando la repartición de alimentos a miles de jóvenes que se
dieron cita, también recomendándoles que era mejor escuchar la música sin
hincarse una dosis de ácido. Su método para controlar el desbande era utilizar
la palabra “por favor has tal cosa” o
“deja de hacer aquello”.
La Hog Farm aún
existe y se encuentra instalada en el Estado de California. Wavy Gravy mantiene dentro de ella una
escuela de clowns.
- Una de las razones por las que incautaron a Pigasus
de las manos de los Yippies fue que en la ciudad de Chicago existía una
ley contra el maltrato a los animales. Pigasuspesaba 65 kilos.
- Abbie
Hoffman tuvo una actividad política muy intensa en los años 60 y 70. En
1967 lideró la marcha al Pentágono contra la guerra de Vietnam, marcha que se
inició desde las escalinatas del monumento a Lincol. Su imagen fue evocada en
la película Forrest Gump. Es el personaje que le da el uso de la palabra a
Forrest para que hable sobre la guerra, intervención que no escucha nadie
porque un milico sabotea el equipo de sonido. Tal y como ocurrió en la
realidad, se le representa con una camisa que figura una bandera, mezcla de la
de Estados Unidos y de la de Vietnam. Fue autor de un libro polémico desde su
título: “Roba este libro” que es un clásico de la literatura de la
Contracultura. Intentó boicotear el festival de Woodstock denunciando a bandas
como The Who de cobrar y beneficiarse mientras miles de adolescentes y jóvenes
pasaban las de Caín en medio de la lluvia, el lodo y el hambre por la
desorganización del mismo. Le dieron dinero para que se calmara, supuestamente
iba a ser empleado a favor de la causa Yippie, pero finalmente se lo tiró todo.
Murió a los 63 años (1989) víctima de sobredosis de medicamentos que usaba contra
desordenes nerviosos.
Abbie Hoffman
Representación de Hoffman en la película "Forrest Gump" (1994)
- Jerry
Rubin, fue otro de los líderes de una comunidad hippie más inclinada al
activismo político que a la contemplación de los placeres. Es el ejemplo de
prototipo de joven que se hace hippie porque puede vivir sin trabajar. Provenía
de un hogar de clase adinerada y estudió en el extranjero con el heredado de
sus padres. Dejó la universidad para dedicarse a organizar marchas contra la
guerra de Vietnam. También publicó un libro clásico del movimiento underground, Do It! (Hazlo). A comienzos de la
década de los años 80 abandonó sus ideales y se vistió de traje y corbata para
dedicarse a los negocios formando parte del mundillo de Wall Street. Fue uno de
los primeros en apostar por Steve Jobs y su empresa Apple Inc. Esto lo
convirtió en una suerte de referencia utilizada por enemigos del movimiento hippie que calificaban su
filosofía con desdén pues decían que los hippies no querían cambiar nada ya que
cuando papá los llamaba a cubrir la presidencia de la empresa ellos se
olvidaban del amor y las flores y se convertían en nuevos explotadores de la
clase trabajadora. En un capítulo de la serie Alf, popular en los 80’s, se le
satiriza sin compasión. Murió millonario, víctima de un accidente de tránsito
en 1994. Tenía 56 años.
Jerry Rubin
Jerry Rubin y Abbie Hoffman en los 80's
- Una de las canciones que formaron parte del álbum
The Beatles (conocido como “álbum blanco”) lanzado a la venta en noviembre de
1968, fue “Piggies” (cerditos), escrita por George Harrison. Es uno de
los temas en que George afila su lado caustico para hacer una crítica social, A
Lennon le agradó el tema porque estaba en la línea de lo que quería hacer por
ese entonces, actividad política. John hizo los sonidos de cerdo que se escuchan
a los largo de la canción y sobre todo al final. Se dice que la canción está
inspirada en la novela de George Orwell “Rebelión en la granja”, en donde se satiriza
a los dictadores con la figura de los chanchos (forma peruana de decir “cerdos”).
El estilo musical de opereta encaja con la acidez de la letra.
George Harrison
- En agosto de 1969, pocos días antes de la
inauguración del festival de Woodstock, la comunidad de la ciudad de Los
Angeles se conmociona al conocer la noticia del asesinato múltiple de
personajes de la alta sociedad por parte de una comunidad pro hippie liderada
por Charles Manson. El común de estos actos fue que como mensajes crípticos
dejaban pintadas en las paredes con la sangre de sus víctimas frases que
aludían a canciones del álbum blanco de los Beatles, entre ellas al tema de
George Harrison, Piggies. Los Beatles se mantuvieron al margen de los hechos para evitar generar
teorías absurdas que no solo afecten la
imagen de su trabajo sino e recuerdo de las víctimas. Paul McCartney (cuyo título
de su canción Helter Skelter también
fue pintarrajeada por los asesinos) fue el único que contestó una pregunta al
respecto diciendo: “Eso es algo que no
tiene nada que ver con nosotros”.
Charles Manson adujo que las canciones del álbum de
los Beatles contenían mensajes ocultos
dirigidos a su persona a efecto que proceda como lo hizo. Murió en prisión el 19 de noviembre del año 2017 por complicaciones del cáncer que padecía.
El asesino Charles Manson
"Piggies" The Beatles
- En 1977 Pink
Floyd lanza al mercado su álbum “Animals”
en que sobresale su canción doble: Pigs on the wing (algo así como
cerdos alados)escrito por Roger Waters y David Gilmour. A
diferencia de Piggies de Harrison es un tema no crítico pero que reflexiona
sobre las relaciones humanas.
Esta vez la “flaca” se
soltó con todo y blandió zarpazos con su guadaña a diestra y siniestra
llevándose a verdaderos hitos de la música.
La revista Rolling
Stone se pregunta si no es final de la era del rock. También nos advierte -con
lo que coincidimos- que dada sus edades, muchas de las estrellas de los 60’s y
70’s ya son venerables septuagenarios, por lo que deberíamos hacernos a la idea
que el resto del año y los próximos, transcurran de manera solemne con noticias
de tristes partidas*.
En alguna ocasión,
homenajeando a un músico fallecido, dije que lo que causa verdadera conmoción
es que esos vacíos que dejan, difícilmente pueden ser cubiertos por otros que a
pesar de tener trayectorias llenas de discos superventas, portadas de revistas,
miles de apariciones en la tele, nunca darán la medida.
Entonces, si bien es cierto
que quedan los discos, el rock difícilmente seguirá desarrollándose con
talentos y buenas canciones y mensajes rotundos y contundentes que iluminen a
varias generaciones. Hoy en día algunas emisoras de la capital tildan a su
programación como de “música
contemporánea”, lo que a mi entender equivale a “cualquier cosa, para escuchar en cualquier momento y escupirla al
instante”.
Normalmente UNA PARA
EL SUNSET hace un listado de los que se fueron el año anterior, pero esta vez,
desde que se inició el 2016, son varios quienes ya atravesaron el otro lado,
como insistía Morrinson en una canción de los Door’s, por lo que también son
incluidos en esta triste lista.
Por todos, un recuerdo
y una gratitud a Ben E. King,
B.
B. King, Lemmy Kilmister, David
Bowie, Natalie Col,
Glenn Frey, Paul
Kantner.
“Stand
By Me” Ben E. King (1938 - 2015)
Conscientes del valor
ínsito de las canciones o himnos gospel,
muchos jóvenes cantantes afro estadounidenses grabaron sus primeros éxitos
sobre la base de temas viejos de ese estilo. A diferencia del rhythm and blues, la música gospelera suave, adecuada para temas de amor y con muchas más
probabilidades de ser recepcionada fácilmente por las audiencias blancas, lo
que implicaba no solo mayores ventas de discos sino también aparecer en
programas de televisión a nivel nacional.
Estos jóvenes no hacían
caso de lo que sus viejos decían, que esta música debe transmitir la palabra de
Dios y sólo debía ser cantada en su casa.
Así vieron la luz temas
netamente gospel como “Stand By Me”que nunca dejará de sonar mejor que en la voz de Ben E. King.
Benjamin Earl Nelson (su
verdadero nombre), nació en Carolina del Norte en 1938 y antes de su
trayectoria solista integró el famoso grupo vocal doo wop, The Drifters, con los que grabó “This Magic Moments” (1959) uno de sus temas referentes. Bajo la
producción de Phil Spector y las letras del tándem Lieber - Stoller también
hizo conocida “Spanish Harlem” (1960).
"Spanish Harlem" Ben E. King
“Stand
By Me” (1961) se inspiró en un tema gospel titulado “Stand By Me Father” de los legendarios The Soul Stirrers queKing reescribió para The
Drifters cuando era su vocalista principal, pero que no llegaría a grabar con
ellos. Más adelante el tema sufriría modificaciones y se le introduciría
arreglos por parte de Lieber y Stoller, entre los cuales aparece la más famosa
línea de bajo de la historia del rock’n’roll, que es su nota característica.
Para finales de los 60’sla canción se convirtió en un himno de
esperanza para los jóvenes que habían sido enviados a pelear en Vietnam.
En 1974 John Lennon
registró una de sus más afortunadas versiones.
"Stand By Me" John Lennon
“Stand
By Me” vio reverdecer su gloria cuando fue
escogida como tema principal de la película “Cuenta
conmigo” (Columbia Pictures, dirigida por Rob Reiner, con River Phoenix,
año 1986).
La canción puede ser entendida como una canción de
amor o una plegaria, dado su origen:
Cuando la noche nos cae/La tierra oscurece/Y la luz de la luna es
lo único que nos alumbra/No tendré miedo si tú estás conmigo
Si el cielo se viniera abajo/La montaña se deslizara hacia el
mar/No tendré miedo si tu éstas conmigo
No lloraré, ni asomará una sola lágrima/Quédate conmigo…
"Stand by Me", vídeo oficial de la película"Cuenta conmigo". Ben E. King
B. B. King y su guitarra “Lucille”
(1925-2015)
Fue el mayor referente
de la música blues además de fuente
de inspiración para ciento de guitarristas que germinaron en la década de los
60’s y 70’s en todos los rincones del mundo, desde Eric Clapton a la leyenda
argentina Norberto Napolitano, conocido como “Pappo”.
Rompiendo esquemasB. B. Kingintegró
a su música tanto el jazz como el swing y el pop,
proyectándola por más de 70 años a un público que le rendía culto
fervientemente en cada una de sus presentaciones.
Originario del sur de
los Estados Unidos, exactamente del estado de Mississipi, a sus veinte años
solía pasar algunas temporadas en el estado vecino de Tennessee a efecto de
perfeccionar su estilo gracias a la interacción con portentosos músicos como
T-Bone Walker. En esas andanzas conoce al célebre productor Sam Phillpis (que
más adelante sacaría de su canasta a un joven camionero de apellido Presley)
con el que grabaría sus primeros discos a finales de la década de los 40’s. La
mano santa de Phillips le permitiría tener más adelante, en 1952, su primer
disco número uno, “3 O’Clok Blues”,
canción en dondeB. B. Kingcomienza
alternar, como un dialogo, su voz y el sonido de su guitarra, característica
que se convertiría en su signo distintivo.
No obstante la década de
los 50’s sería testigo de su despegue discográfico, los complicados patrones
raciales estadounidenses impedían que su música alcance un reconocimiento de
alcance internacional, por lo que en los 60’s, como muchas estrellas del blues
y del R&B, recibió un desagravio
por parte de las bandas inglesas de la llamada British Invasion que lo integraron a sus giras mundiales gracias a
lo cual daría a conocer su arte en todo el mundo. De ahí nace su relación con
los Rolling Stones y con Eric Clapton.
De
esos años 50’s son “You Know I Love You”, “Woke Up This
Morning”, “Please Love Me”, “You Upset Me Baby”, “Sneakin' Around”, entre otros.
De los 60’s, “Sweet Sixteen”, “The Thrill Is Gone”y de los 70’s “To Know You Is to Love You”, “I Like
to Live the Love”.
En la década de los 80’s se da a conocer a las nuevas
generaciones en “When Love Comes To Town” grabado con los irlandeses de U2.
Su guitarra, a la que bautizó como “Lucille”,
recibió un merecido homenaje cuando la Gibson sacó al mercado la ES-335 de
nombre similar en 1980.
"Rock me Baby", B. B. King, Buddy Guy, Jimmy Vaughan, Eric Clapton
B. B. King y Norberto Napolitano "Pappo" en el Madison Square Graden NY
Lemmy Kilmister fue Motörhead (1945-2015)
Banda metalera británica
de sonido raudo y áspero que alteró los cánones rockeros de mediados los 70’s,
razón suficiente para ser catalogada como hito de la música, fórmula que le
sirvió para sobrevivir y trascender a la violenta onda punk en los 80's y con la que tuvo
algunas coincidencias sin claudicar a su fe en el rock’n’roll.
Kilmister se
interesó por la música tras acudir al Cavern
Club de Liverpool para ver una
presentación de cuatro chicos que se hacían llamar The Beatles. Tenía 16 años,
edad suficiente para ser influenciado por la música diferente que provenía de
aquella banda y por la actitud de uno de sus componentes, John Lennon.
Al igual que este, Lemmy
tuvo una familia disfuncional, de la que constantemente vivía alejado,
conociendo la dureza de la calle antes de llegar a la veintena, lo que quizá le
daría el material que aportaría a los grupos previos que integró hasta
Motörhead.
Durante la década de los
6’0’s integró una serie de proyectos efímeros hasta que a inicios de los 70’s
por fin recaló en una banda de verdad, en la que prestó su voz ocasionalmente,
además de tocar el bajo, The Hawkwind, cuya temática era el rock espacial. Una
de sus intervenciones con el micrófono fue la canción “Silver Machine” que escaló las listas británicas hasta el tercer
lugar (1972).
Lemmy Kilmister en Hawkwind "Silver Machine"
Tras su salida no
pacífica de Hawkwind, en 1975 decide formar su propia banda con el guitarrista
Larry Wallis y el baterista Lucas Fox, dándole el nombre de Bastard y que luego
sería cambiado por el de Motörhead, palabra que hace referencia al consumidor
de anfetas y que era el título de una canción que Lemmy había escrito para Hawkwind.
Esta alineación Kilmister, Wallis y Fox,
sería la original de Motörhead, aunque no necesariamente la alineación con la
que la banda comienza su despegue. Kilmister,
Wallis y Fox no llegarían a grabar ningún disco, pero sí a tener presentaciones
como teloneros de bandas con cierto jale comoBlue
Öyster Cult. Para 1976 el proyecto
Motörhead se vería presionado a efecto de lanzar un primer disco, sin
embargo, para ello, se desconfió del formato de trío, integrando a otros elementos
como el guitarrista Eddie “Fast” Clarke. Inesperadamente Wallis y Fox abandonan
el incipiente Motörhead y a Kilmister y
Clarke se les une el baterista Phil Taylor (fallecido también el 2015), quedado
así conformada su formación clásica.
"Whorehouse Blues" Motörhead
Motörhead no es una
banda metalera más, es una que cambió patrones y por ello, en la época de su
aparición, levanto mucha resistencia. Sin temor a equivocarnos podemos decir
que la banda liderada por Lemmy Kilmistermantuvo a flote los principios con los que nació el rock’n’roll en una
época en que las discográficas y el punk hacían todo lo posible para mandarlo al
tacho.
En esto radica la
importancia de este músico. El tesón y coraje que tuvo para mantenerlo a flote,
en contra de la voluntad de muchos.
"Overkill" Motörhead
David
Bowie, el Duque Blanco (1947-2016)
Si
quienes introdujeron innovaciones a la música son considerados sus hitos, nadie
mejor que este músico inglés que nos hablaba de odiseas espaciales (aunque en la realidad prefería viajar en tren a tener que subirse a un avión) para reclamar
el honor.
Sin hacer odiosas comparaciones, siempre
hay una partida que más se siente. Esta fue la de David Bowie. Con él se va una
parte importante de lo que fue esa cultura con la que respiramos, bebimos y nos
alimentamos en nuestra adolescencia.
Su
trayectoria alcanzó el máximo reconocimiento cuando las cosas habían cambiado
notablemente en los 80’s, pero ese cambio lo vino forjando él desde la década
anterior. No fue por lo tanto un advenedizo que brilla cuando otros ya no
están, por el contrario, el avizoró lo que otros no querían ver, el planteó lo
que otros no querían aceptar, y terminó quedando en el camino mientras otros
perdían el rumbo.
Los
jóvenes que no entienden por qué se le conoce como el “camaleónico Bowie” deben seguirle la pista desde mediados de los 60’s, cuando contra la corriente trataba de
hacer voltear la mirada a un mercado que la tenía clavada en el rock de la
costa oeste estadounidense. El apostó por una propuesta estética tan avanzada
para su época que el mainstream no
entendía, aunque otros artistas relegados como él si.
Se
asentó en la costa este del país del norte e hizo migas con artistas plásticos
como Andy Wharol y con bandas que al igual que él hacían asco al mugriento rock
de San Francisco y Los Angeles, como era el caso de los Velvet Underground.
Logró quizá, lo que Paul McCartney no pudo hacer
junto a su banda (Billy Shear del Sgt. Peppers), dar vida a un personaje que cual alter ego supla la imagen real del artista que lo crea e interpreta.
En 1969, bajo la producción de Tony Visconti ideó una canción de la cual brotó un personaje con trapío distinto a los
personajes de una canción de rock cualquiera de la época, the Major Tom
(Comandante Tom), un mando de una nave espacial, que se convertiría en el
primer personaje cuasi real del imaginario de Bowie. La canción fue “Sapece Oddity” que estuvo en
consonancia con el magno acontecimiento del Apolo 11 en el mes de julio de ese
año. Se despuntaba el rock teatral, llamado también performance que sería llevado hasta sus últimas consecuencias por
Peter Gabriel y los Pink Floyd.
Su imagen andrógina, delgada y contenida en una
maya ceñida, era la antítesis de la imagen rockera, que gustó a muchos sin
importarles el lugar que sus canciones escalaban en las listas. Era también el
inicio del glam rock.
Pero the Major Tom solo sería un esbozo de lo que
vendría luego. En 1972 Bowie graba la canción “Starman” de donde comienza identificarse al mítico personaje Ziggy
Stardust, su criatura emblemática.
Starman también es un personaje, pero según la
explicación que alguna vez hiciera el propio Bowie, mientras este es el “Ser”,
Ziggy solo era su mensajero en la tierra.
Bowie encarnó a Ziggy de tal manera que quienes lo
iban a ver a los conciertos creían que estaban viendo realmente al hombre del
espacio. A su preparación musical había agregado sus estudios de teatro y mimo.
Para su puesta en escena Bowie había recurrido a las técnicas del teatro
experimental japonés Kabuli.
"Space Oddity" David Bowie
El rock había dejado de ser solo letra y música.
El punto álgido de esta etapa de Bowie fue su
álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (año 1972),
en el que se presenta como si él mismo fuera Ziggy. Para ese entonces ya tenía
formada su banda de acompañamiento, los Spiders from Mars (Mick Ronson,
guitarra; Trevor Bolder bajo; Mick Woodmansey, batería y Mike Garson,
teclados).
Y como en el concepto de su creador, Ziggy de por
si tenía sus días contados dado que la misión que el Starman le había
encomendado era imposible cumplirla sin perder la vida (salvar a una humanidad
que no quiere ser salvada y más bien contagiarse de sus bajezas) Bowie decide
dar un giro inesperado y el mismo se encarga de darle vuelta para pasar a otra
cosa. El público no entendía pero el genio comienza a mostrar su naturaleza
cambiante, camaleónica.
En 1973 surge un nuevo personaje alejado de la temática
espacial, Aladine Sane, personaje inspirado en un familiar
esquizofrénico y que aporta la imagen icónica con la que siempre se recordara
la faceta teatral de Bowie.
"Starman" David Bowie
Luego, en 1976, aparecería la última encarnación
de Bowie en aquella década, the Thin White Duke, inserto en el álbum Station to
Station.
Previo a este trabajo, Bowie había echado mano al soul, al r&b y a la música de cabaret, lo que se vio reflejado en
Diammond Dogs (1974); posteriormente al pop
y al funky en Young Americans (1975),
del que forma parte la canción “Fama”
co-escrita con John Lennon.
En Station to Station, retorna a la base soul pero agregando música electrónica y
aires de vanguardia con un sesgo facho y aristocrático.
The Thin White Duke es otro ser interestelar pero
con pinta de artista de cabaret de los años 20 o 30. Como personaje ya aparecía
en el álbum Young Americans y es prestado del personaje que interpretó en la
película “El hombre que cayó a la tierra” dirigida por Nicolas Roeg y estrenada
el mismo año. Es más, la tapa del álbum muestra al personaje en una escena de
la película.
"Station to Station" David Bowie
The Thin White Duke también reflejaría la época en que Bowie cayó en las garras de la
cocaína.
Por lo demás, Station to Station contiene una
música que sería el sonido de los 80’s, con muchos teclados y sintetizadores.
La llegada de los 80’s sorprende Bowie disfrutando
del éxito e inclinándose por un arte más mundano y comercial, golpeando los
primeros lugares con temas como “Lets
Dance”, “Modern Love” y “China Girl”.
A partir de 2004 se apartó de la escena cuando en una gira por Alemania le sobrevino un preinfarto. El 8 de enero, dos días antes de su partida, cumplió 69 años y anunciaba un nuevo álbum, Blackstar. En sus últimos años olvidó el nombre artístico de David Bowie y se reencontro con su verdadero yo, David Jones. Murió de cáncer.
"Modern Love" David Bowie
Natalie
Cole, Inolvidable(1950-2015)
Heredera de una de las voces referentes de
la canción estándar norteamericana de los años 50’s, Nat King Cole, Nataliehizo lo suyo durante década de los años 70’s aprovechando que en casa era común
alternar con estrellas del jazz, soul y el blues amigos de papá quienes le daban algunos concejitos si se
animaba hacer sus primeros pinitos en el mundo de la música. Lo suyo fue el
r&b y soul a despecho de muchos
que la imaginaron incursionando en el formato estándar al igual que su padre.
No obstante que su madre se esmeró en que culmine el colegio y tenga una buena formación universitaria, luego de
graduarse con honores como psicóloga infantil, Natalie se dedicó de lleno a su
faceta de cantante logrando fichar para la Capitol Records, el mismo sello en
que grabó su padre.
"This Will Be", Natalie Cole
Su primer álbum, “Inseparable” (1975), la hizo conocida pero muchos asociaban su estilo
al de Aretha Franklin con la que desgraciadamente los ejecutivos de su
discográfica la enfrentaron en una rivalidad absurda.
El primer sencillo del álbum, “This Will Be” le valió su primer
premio Grammy como mejor artista vocal r&b
y soul, pero el reconocimiento
absoluto lo obtuvo el año siguiente, 1976, con su segundo álbum titulado
Natalie, en donde aparecían “Sophisiticate
Lady” y la célebre “Mr. Melody” con
influencias funky y jazz.
Ntalie Cole, Live At The White House, "What's Going On"
En un ascenso imparable, Natalie logra
dos discos platinos en el año 1977, lo que hasta ese momento no había logrado ningún
artista femenino blanca o afroamericana, gracias a sus álbumes Impredecible y
Thankful. Fue ese año 1977 que Natalie se presentó en Lima, en la Concha Acústica
del Campo de Marte. Hecho muy raro pues en ese momento era una mega
estrella de la música.
"Smile" Natalie Cole
En los años 80’s la carrera de Cole atravesó
altos y bajos, pero se mantuvo presente en el mercado discográfico.
Pero fue en 1991 que Natalie Cole grabaría
el que fue su álbum superventas, “Unforgettable...
with Love”, un disco con versiones de los temas que hicieron de su padre
una leyenda de la música, sello Elektra. Este disco le reportó siete discos
platinos, el Grammy al mejor álbum del año y otros cinco por grabación del año,
interpretación vocal pop, canción del año -“Unforgettable”-,
arreglos y producción. Natalie murió a la edad de 65 años.
“Unforgettable” Nat King Cole y Natalie Cole
Glenn
Frey, the New Kid in Towm (1948-2016)
Álbum "Hotel California" Eagles
A Freyse le
puede ver en la película Jerry Maguire
(año 1996, dirigida por Cameron Crowe, con Tom Cruise en el papel de Jerry
Maguire) como el mánager tacaño de un equipo de futbol americano que no quiere
darle una ayudita económica a un venido a menos promotor deportivo luego que ha
sido despedido de su trabajo. Antes había participado en la serie Miami Vice de los años 80’s.
Cameron Crowe, periodista, guionista y director de cine se inspiró en Frey para dar vida a Russell, un guitarrista miembro de la banda ficticia Still Waters de la película Casi Famosos.
Glenn Frey co-fundó
Eagles junto a Randy Meisner (bajo), Bernie Leadon (guitarra) y Don Hemley (batería
y voz), luego de haber trabajado por mucho tiempo como músico de sesión de
artistas country como Linda Ronstand. Esa sería la formación original e
histórica que se mantuvo intacta hasta antes del lanzamiento del que sería la
obra cumbre de la banda, Hotel California.
Nacido en la ciudad de Detroit durante su
infancia y adolescencia alternó con hijos de obreros lo que le permitió
escudriñar en la música popular de su país, además de dedicarse a la práctica
de deportes como el futbol y la lucha, lo que le daría un porte atlético algo
alejado de la imagen del rockero flaco y esmirriado.
"Take It Easy" versión 1973 Live BBC, Londres.
Conformación original de Eagles
Tras formar algunas bandas se mudó a Los
Angeles en donde conoció a J. D. Souther y Jackson Brown quienes con el paso de
los años, al igual que él, conquistarían fama y fortuna en el mundo de la
música. J. D. Souther se dedicó por completo a la composición (le dio muchos de
sus números uno a Eagles), mientras que Brown se erigiría como uno de los más
notables cantautores y músico country de su país. Con ellos co-escribió algunas
canciones que más adelante grabarían en sus respectivos proyectos, como es el
caso de “Take It Easy”, primer número
uno de Eagles. Era el año 1968, y el movimiento hippie aún ejercía su
influencia en la costa oeste estadounidense. Este dato es importante
mencionarlo en la vida de Frey pues
el ambiente que vivió ahí le motivaría a escribir el tema más importante de su
banda, “Hotel California”.
"On of these night" Eagles
Gracias a la mediación de Linda Ronstand,
GlennFrey, Meisner, Henley y Leadon, pudieron grabar su primer disco
como Eagles en 1972, alcanzando el número uno en ventas, gracias, entre otros
temas, a “Take It Easy”, la canción
que co-escribió con Jackson Brown unos años atrás.
"Lyin' Eyes" 1977. Eagles
El sonido de Eagles es tributario de una
senda que a mediados de los años 60’s inauguraron The Byrds y fue desarrollada
por Gram Parsons (miembro fugaz de Byrds), los Flying Burrito Borthers
(conformado también por ex-Byrds como Chirs Hillman y Michael Clarke) y de una
manera indirecta por Crosby, Stills & Nash.
El sello que caracterizará a Eagles desde
sus inicios, es la precisión tanto en la sala de grabación como en los
conciertos. En una década en que el músico de rock, atrofiado de arrogancia, le
era igual si lo que tocaba en los conciertos no se parecía en nada a lo que
sonaba en sus grabaciones, Frey se
empeñó en que el público de la banda disfrute de cada canción en vivo como si
estuvieran escuchando el disco. Ese sello de distinción acompañará a Eagles
hasta sus últimos días y eso les será siempre reconocido.
Eagles lanzaron solo cinco álbumes de
estudio, a partir del tercero se irán perfilando más por un rock audible,
limpio y con más llegada a las emisoras de radio, sin embargo es injusto tildar
a la banda de comercial.
"New Kid in Town" Eagles, versión 1977
Muchos críticos de música rock han
reconocido que Eagles, en la década de los 70’s llegó a erigirse como la banda
con más influencia en el mundo de la música, tras la desaparición de los
dinosaurios que recorrieron los escenarios en los lejanos 60’s. Incluso, se
dice que de no haber sucumbido a sus propios excesos, podían haber llegado a
ser catalogados de la misma manera que otras bandas como míticos.
Por ello resulta paradójico que su
penúltimo álbum, el que más ventas obtuvo, el que los encumbró en la cima
máxima de la popularidad, Hotel California, fue a la vez su canto de cisne.
"Hotel California" Eagles, versión 1977
La canción que co-escribió con Don Henley
es una alegoría a la California de los años 60’s, cuna del movimiento hippie,
del conocido como rock de la costa oeste, centro en que convergieron músicos y
artistas y gente de todas partes y en que a la vez se desarrollaron muchos de
los símbolos de la decadencia de los tiempos modernos como las drogas
alucinógenas, el sexo libre, los conceptos radicales y extremos de la libertad
personal (esto es, ese rollo que David Bowie aborrecía y que lo llevó a
proponer una propuesta diferente -más artística- y a afincarse en el otro
extremo, la costa este).
Conformación histórica de Eagles, que duraría hasta el álbum "One of these night" 1975. De izquierda a derecha, Bernie Leadon, Randy Meisner, Don Henley y Glenn Frey
Segunda y última etapa de la banda. Timothy Schmit. Glenn Frey, Don Henley, Joe Walsh
La frase Hotel California, no hace alusión a ningún negocio de hospedaje,
real o ficticio, es una alegoría de California como un lugar de desmadre, en
que se llevó a cabo una gran fiesta y luego todos se marcharon dejándole solo
sus miserias (El edificio de estilo clásico que aparece en la tapa del álbum,
es el hotel Holliday Inn de la ciudad de Los Angeles).
Don Felder. Creador del famoso riff de guitarra de Hotel California
La fama, el dinero y las drogas llevó a Freyy sus demás compañeros a la misma
vida de desenfreno que de alguna manera se deja traslucir en la letra de la
canción y también terminaron sucumbiendo.
Además, la orientación empresarial que Glenn Frey aplicó a la actividad
artística de la banda, lo llevó a convertirse en una suerte de tirano por la
excesiva mano fuerte que aplicaba. Esa actitud hizo alejarse a Randy Meisner, a
Bernie Leadon y más adelante a Don Felder, guitarrista que ingresó a la banda
antes de la partida de los dos primeros, convirtiéndola en un quinteto con una
línea de tres guitarras y un bajo.
"How Long" Eagles
Para la grabación del álbum Hotel
California el guitarrista Bernie Leadon se había marchado e ingresado en su
reemplazo Joe Walsh. Luego se iría Meisner quien sería reemplazado por Timmoty
Smith, quedando así la alineación Frey,
Henley, Felder, Walsh y Scmit, con la que se culminó la primera etapa en 1980 y
que luego que se presentó en el año 1994 en un programa de televisión (Hell
Freezes Over), dando inicio a la segunda etapa, si bien la más larga, dedicada
a las giras y conciertos más que a la grabación de nuevo material, aunque con
gran éxito económico.
En lo personal, siempre tuve la
esperanza, hasta antes de la muerte de Frey,
de poderlos ver en directo en mi país. Esa posibilidad se ha desvanecido con el
acuerdo tomado por los demás integrantes de poner punto final a la existencia
de Eagles.
"Hotel California"
Paul Kantner y el aeroplano de
Jefferson (1941-2016)
Álbum "Take Off" Jefferson Airplane
La
movida hippie se fue gestando a lo largo de varios años y podríamos decir sin
temor a equivocarnos, que su origen data de la década de los 50’s aunque su
aparición o presentación en sociedad se dio a mediados de los años 60’s.
Fueron
muchos los elementos que con el paso del tiempo se fusionaron para darle forma,
tanto estética como ideológica.
La
pinta, el pelo largo en los varones y lizo, largo y caído en las mujeres; la
indumentaria, ropa de corte eduardiano adquirida en tiendas de ropa usada, con
collares, pulseras, sandalias fue prestada del movimiento beatnik y de los clanes surfers
de las playas de California de los años 50’s.
En
cuanto a la música, la movida no adoptó el jazz
al igual que los intelectuales y artistas que habitaban las casas de alquiler
económico en la bahía de San Francisco, sino el rock’n’roll y el folk, aunque sí imitaron el consumo de
marihuana.
Estos
proto hippies eran en su mayoría jóvenes recién salidos de la adolescencia y
pertenecientes a familias de clase media que escapaban de la vida anquilosada
de las zonas suburbanas que poco a poco comenzaron a poblar los mismos lugares
que los beatniks, como es el caso del
barrio de Haight & Ashbury. Su ser inquieto, ruidoso fue alejando a sus
antiguos ocupantes y comenzó a quedar mayor espacio para que más jóvenes
pudieran llegar y conseguir albergue barato en las casa de la zona.
Cuando
en febrero de 1964, los Estados Unidos conocieron el fenómeno de la beatlemanía, muchos de estos jóvenes
decidieron organizarse en bandas en las que ensayaban una mezcla de rock’n’roll y folk.
Algunos avispados con capital suficiente, decidieron habilitar casonas antiguas
como lugares de baile, contratando a grupos de manera más o menos estable. En
dichos locales se comenzaron a desarrollar fiestas amenizadas por aquellas
bandas en la que la música era sazonada con alcohol, marihuana y productos alucinógenos
que comenzaron a ser introducidos por químicos autodidactas.
Cuando
lo que ocurría en San Francisco fue haciéndose conocido en otras partes de los
Estados Unidos, otros cientos de adolescentes decidieron unirse al rollo,
algunos tan solo para pasar el rato sin frenos ni controles, otros con afán de
experimentación y algunos con afán artístico.
Paul
Kantner Lorin, conocido como Paul Kantner,
no necesitó venir de lejos porque el nació en San Francisco, pero trabó amistad
con uno venido de Ohio, de nombre Martyn Jerel Buchwald, que sería conocido en
el mundo de la música como Marty Balin.
Jefferson Airplane (conformación del año 1969) Grace Slick, Jorma Kaokunen, Jack Casady, Marrty Balin, Paul Kantner y Spencer Dryden
Balin
había conseguido algo de dinero tocando en algunas bandas y también gracias a
su oficio de pintor y escultor. Había participado como bailarín en una película
que tuvo repercusión a nivel mundial titulada West Side History. Con lo que tenía montó una casa de baile y le
planteó a Kantner (guitarra) formar
un grupo que toque en dicho lugar. A ellos se les unirían luego Skip Spence
(batería), Jorma Kaokunen (guitarra), una chica de nombre Signe Anderson que
fue elegida vocalista y finalmente Jack Casady (bajo). Era el año 1965. El
nombre que le dieron a la banda fue uno inspirado en un presidente de los
Estados Unidos, Thomas Jefferson. El nombre fue originalmente The Blind Thomas
Jefferson Airplane, que luego se simplificaría como Jefferson Airplane.
Sus
presentaciones en el club “Matrix”, nombre que le dio Balin a su sala de baile,
pronto comenzaron a estar en boca de todos los chicos y chicas que poblaban la
zona de Haight. Su propuesta musical fue el denominado folk rock inspirado en los trabajos de Bob Dylan, The Byrds y como
no de The Beatles. Cuando a las letras de las canciones de aquella onda, se les
comenzó a agregar las experimentaciones que algunos compositores habían tenido
con alguna droga alucinógena, a esa música se le comenzó a llamar rock psicodélico. Jefferson Airplane se
constituyó en uno de los puntales de la psicodelia
y así fue como les llegó un contrato de la RCA para grabar su primer álbum en 1966,
Jefferson Airplane Takes Off, el cual obtuvo buenas ventas no solo en San
Francisco, sino también en otros lugares a donde nunca habían ido, ello les permitió
su primer disco de oro y ser contratados para locales más grandes.
"House at Pooneil Corners" Jefferson Airplane desde una
azotea en Nueva York, 1968. The Beatles imitarían la idea
en 1969 en la filmación de Let It Be
Cuando
la vocalista Signe Anderson dejó la banda para dedicarse al cuidado de su
primera hija, el puesto fue ocupado por Grace Slick, una cantante de otro grupo con cierto prestigio, The Great
Sociaty. Así quedó conformada la alineación fundacional de Jefferson Airplane.
Grace Slick se convertiría no solo en un elemento insustituible en la banda
sino en una de las mejores cantantes de la costa oeste.
Grace
aportó también temas que había escrito durante su estancia en Great Sociaty,
que luego se convertirían en temas clásicos de Jefferson, como “White Rabbit” y “Somebody to Love” temas puntales de la psicodelia y que aparecieron en el nuevo álbum Surrealistic Pillow
de 1967.
"Somebody To Love" jefferson Airplane en el festival de Monterey 1967
Con
dos discos exitosos, tocando para grandes audiencias y con buena cantidad de
dinero, los Jefferson Airplane se convertirían en representantes de aquel
fenómeno que se desarrolló en el verano boreal de aquel año 1967 que se
denominó “El verano del amor”
acontecimiento que presentó al mundo el movimiento artístico, filosófico y
cultural denominado Movimiento Hippie.
Jefferson
Airplane compartió con otras bandas de San Francisco, como The Gratful Dead, la
Big Brother and the Holding Company y su cantante Janis Joplin, el reinado del
rock conocido como “rock de la costa oeste” y participó, junto a ellas, en los
tres conciertos multitudinarios que registro como parte de su existencia el
movimiento hippie, el festival de Monterey, Woodstock y Altamont que se
desarrollaron en 1967 y 1969.
Paul Kantnercomenzó
a sobresalir en la composición cuando escribió el tema Wooden Ships que sería
un éxito de Crosby, Stills & Nash. Luego escribió el tema “We Can Be Together” aparecida en el álbum Volunteer’s de 1968 y
que contenía las famosa líneas “contra la
pared, hijos de puta” y “con el fin
de sobrevivir, nosotros robamos, engañamos, mentimos, falsificamos, fornicamos,
nos escondemos y conciliamos”.
En
1969 comienzan a aparecer los primeros problemas que llevarían más adelante a
la disolución de Jefferson Airplane. Kantnerinicia una relación sentimental con
Grace Slick mientras ella era pareja oficial del baterista Spencer Dryden.
Luego que Slick se separa de Drynden, Kantner
y ella comienzan una relación de convivencia.
Paul Kantner, Grace Slick y la hija de ambos, China
En
1970, Kantneredita su primer álbum
solista denominado Golpe contra el
Imperio de signo futurista con el apoyo de su pareja la cantante Grace
Slick. Es a partir de dicho trabajo que Kantner y Slick comienzan a gestar la
banda Jefferson Starship que sucedería a Jefferson Airplane cuando quedó
disuelta en 1974. Jefferson Starship desarrollaría una música más acorde con
los gustos del mercado. A la banda se unirían luego Marti Balin y otros ex-miembros
de Jefferson Aerplane, por lo que muchos consideran que se trata de dos etapas
de una misma historia.
En
1978, Kantner y Slick se separan, siendo retirada también de la banda. Kantner
seguirá con Jefferson Starship y en 1984 abandona su creación, época en que
retorna Grace Slick. Ella y los otros músicos reconvertirían a Jefferson
Starship en tan solo Starship, proyecto que tendría gran repercusión en MTV.
En
la década de los 90’s Paul Kantner,
recuperaría el nombre de Jefferson Starship y lo relanzaría con discos y
conciertos, manteniéndose en actividad hasta el 28 de enero del presente año
día en el que falleció.
Un
dato, ese mismo día falleció también la primera vocalista de Jefferson Airplane,
Signe Anderson, que fuera sustituida por Grace Slick.
"Volunteers" Jefferson Airplane
Queremos también ofrecer nuestra gratitud eterna, sin importar el
oficio, a:
Ninón Sevilla, Tim Drummond, Dallas Taylor, Demis Roussos,
Danny McCullough, Leonard Nimoy, Daevid Allen, Mike Porcaro,
Andy
Fraser, Cynthia
Lennon, Luis Delgado Aparicio, Bob Burns,
Eduardo
Galeano, Günter
Grass, Percy Sledge, Ben Molar,
Maya
Plisétskaya, Pancho
Guevara, Manuel Acosta Ojeda,
Louis Johnson, Christopher
Lee, James Last, Ornette Coleman,
Hugo
Blanco, Laura
Antonelli, Dick Van Patten, Omar Sharif,
Joan Sebastian, Tom Moore (creador
de Archie), Lynn Anderson,
Cilla Black, Raphy Leavitt, Miguel Ángel Cornejo, Guillermo
Rubalcaba,
Maruja Venegas Salinas,
Armando “Manny” Martinez (ex Teen Tops),
Fredy Ternero, Humberto Martinez Morosini, Steve Mackay,
Maureen O’Hara, Luis Díez-Picazo, Phil Taylor,
Leonardo Franco (Los Iracundos), Robert Loggia, Long John
Hunter,
Robert Stigwood, Alfredo “Chocolate”
Armenteros, Alan Rickman,
Ettore Scola…
(*) Mientras escribía este post, se
anunció la muerte de Paul Kantner.
