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miércoles, 14 de septiembre de 2011

TIFFANY & CO., TRUMAN CAPOTE, AUDREY HEPBURN Y “BREAKFAST AT TIFFANY’S”


Audrey y su mítico vestido de
Givenchy
BREAKFAST AT TIFFANY’S es una película de la Paramount, año 1961, protagonizada por Audrey Hepburn (Bélgica 1929 - Suiza 1993) y George Peppard (EE.UU. 1928 - 1994), donde el glamour y la cruda realidad se encuentran para comenzar una transición en la historia del cine. Adaptada de la novela del mismo nombre, escrita por Truman Capote, Breakfast At Tiffany’s (comedia-drama) narra la historia de Holly Golightly, mujer joven aunque decadente, que busca rodearse de gente alegre, lujo y belleza pero que no está dispuesta a anclar su vida por alguien, salvo que se trate de un hombre rico con el que el matrimonio pueda representarle un buen negocio. Para Holly todo es pasajero, su vida es un viaje constante, sin lazos que la aten. Lo único permanente es el compromiso de cuidar y proteger a su hermano Fred.

Como adaptación, el film desemboca en un final distinto al de la novela (hecho que molestó a Capote). En esta, el joven escritor, vecino de Holly, termina aceptando la regla básica de su vida, vivir sin dueño, y la deja partir rumbo a Brasil, no volviéndola a ver más; en cambio en la película, Holly recapacita que no puede vivir huyendo, ya que eso es, a final de cuentas, lo que hace bajo la idea del eterno viaje, y acepta el amor de Paul Varjak (el joven escritor que no tiene nombre en la novela) y se reconoce también enamorada de éste, deteniendo por fin su andar. 

El tema de la prostitución es aludido de una manera sutil y elegante en la obra.
Tienda Tiffany & Co. en la
Quinta Avenida
¿Cuál es la relación entre la historia y la tienda Tiffany?

Tiffany & Co. es un negocio de joyería y orfebrería fundado inicialmente por Charles Lewis Tiffany y Teddy Young, como Tiffany & Young, el 18 de setiembre de 1837 (hasta que Charles lo asumiera él solo en 1853), ubicado en la ciudad de New York, donde tiene su local principal (abierto desde 1940 en el cruce de la Quinta Avenida con la Calle 57 - Bajo Manhattan) que quedó inmortalizado en la película dirigida por Blake Edwards.

Escena introductoria de Breakfast At Tiffany's (1961)

En sus inicios Tiffany se dedicó a la venta de papelaría y artículos finos, para luego ganar prestigio con piezas de plata. Pero lo que le dio fama fue la joyería, en especial, sus trabajos con diamantes.

En la actualidad, Tiffany ha abierto tiendas en varias partes del mundo. En América del Sur, Argentina fue uno de los primeros países en contar con una, luego le siguió Brasil, Uruguay y Colombia.

Para el año 2010 se calcula que los ingresos de la compañía ascendieron a US$ 4,860 millones de dólares. La empresa cuenta con más de 7,000 empleados.

En el año 1950 la tienda pasa a manos de Walter Hoving. Hoy, es un negocio por acciones.
Célebre gift Tiffany Blue Box
Tiffany  fue la primera tienda de artículos en vender por catálogo, poner etiqueta con los precios de cada producto y cuenta con la tradición de no hacer rebajas, tradición que no pudieron romper algunos presidentes de los Estados Unidos, como Abraham Lincoln y Dwight Eisenhower. También Tiffany es conocido a nivel mundial por su célebre caja de embalaje, de un color azul, especialmente creado para la marca, el Azul Tiffany’s, a la cual se le ajusta un listón de color blanco como adorno.

La empresa ha ganado también un prestigio dentro del diseño de arte. Actualmente es la encargada de crear y fabricar los trofeos de las grandes ligas deportivas americanas: Futbol, Basquetbol, Beisbol, NASCAR. El Tesoro de los Estados Unidos encomendó a la compañía elaborar una nueva figura del Sello Oficial que aparece en el reverso de los billetes de un dólar. Antaño fabricó espadas para los generales de la Guerra Civil. El hijo de Charles Tiffany, Luis Comfort Tiffany, se dedicó al diseño de vitrales y muebles de decoración interior, resaltando como una de sus más conocidas obras, las lámpara de techo y mesa Tiffany.

El ambiente de elegancia y lujo que evoca la tienda, constituye para el personaje principal, Holly Golightly, el paradigma del hogar con el que ella sueña. Ese ambiente y aroma que desprenden los objetos lujosos constituye el único medio con que puede calmar la fuerte ansiedad que suele embargarle y a la que denomina means reds. Por ello, cada vez que esta aparece se sube a un taxi para dirigirse allí. Esa es la única relación de la tienda con la película.

La tienda es un ícono que inspiró a Truman Capote escribir su novela.
Vitrina que inmortalizó la imagen
de Holly Golightly
La escena inicial de la película, que transcurre en el frontis del local de la Quinta Avenida con la calle 57, fue rodada a partir de las 5 am. y pese a lo simple (aunque es una de las escenas de culto en la historia del cine), implicó gran dificultad. Primero por el disgusto de la actriz Audrey Hepburn de tener que comer un pastel (cosa que le desagradaba), y luego por la electrocución de uno de los técnicos.

Se puede apreciar que el taxi que deja a Holly en la puerta de Tiffany se desplaza en sentido contrario a lo que es el tránsito vehicular en la Quinta Avenida (norte a sur), esto es, viene de sur a norte. Una de las cosas que jamás esperó la dirección de la película era encontrarse con las pistas despejadas. Holly se detiene frente a la puerta y levanta su mirada hacia el Atlas que la corona, fabricado de madera y revestido con bronce, que carga sobre sus hombros un reloj (que en ese momento marcaba cerca de las seis). Esta figura fue hecha por H. F. Metzler, diseñador de frentes de barcos a pedido del propio Charles Tiffany en 1853, año en que consolida la propiedad del negocio. El edificio fue obra de Cross & Cross Arquitectos, quienes conservaron la figura que estuvo colocada en el edificio que la empresa tuvo en sus inicios en la Calle Broadway.

Holly luego se dirige a la vitrina ubicada en el lado izquierdo de la puerta y envuelta en un éxtasis se queda admirando el interior a través de ella, mientras, da una mordida y un sorbo a un croissant y vaso de café que extrae de una bolsa de papel que lleva en sus manos. Holly está desayunando a la vista de las pulseras de diamantes de la tienda Tiffany. Cabe notar que la parte baja del edificio se encuentra enchapada con un mármol de color rosa. Aún se mantiene la bocatoma de agua para bomberos que está justo en la parte inferior izquierda de la vitrina que refleja la imagen de Holly.
El famoso Atlas de Tiffany
tiene una altura aproximada de
tres metros 
Cerrando la escena, luego de acercarse también a la vitrina del lado derecho de la puerta, Holly da un medio giro de norte a sur (el mismo sentido del carro que la trajo) y camina por la Quinta Av. hasta la esquina y luego dobla hacia su derecha, entrando a la Calle 57, rumbo este, sobre parando para contemplar desde el medio de la vereda las vitrinas de la misma tienda que dan para dicha calle, se acerca a un tacho de basura, se deshace de los restos de su desayuno y finalmente se marcha avanzando, siempre por la 57 con el mismo rumbo.
Puerta y vitrinas que dan
a la Calle 57
En esta toma inicial, Audrey Hepburn, luce el mítico vestido negro diseñado y confeccionado por Givenchy.

Vestido negro estilo cóctel llamado "Pequeño Vestido Negro" de Givenchy creado para Audrey Hepburn basado en el concepto introducido por Coco Chanel en 1920, expuesto en el museo Thyseen-Bornemisza Hubert de Givenchy 2014
En otra escena de la película, más adelante, la trama transcurre al interior de la tienda. Holly y Paul salen a pasear con el propósito de hacer, cada uno, de manera divertida, algo que antes no hayan hecho. Una de esas cosas, para ambos, era el poder hacer una compra en Tiffany. Lo cierto es que no contaban con dinero suficiente pero logran que se les grabe con sus iniciales un pequeño anillo que vino como sorpresa en una caja de golosina. Interviene en esta escena el actor John McGiver, como el empleado de la tienda, con un acento y aire elegante en su modo de hablar. En esta escena se presenta a la solidaridad como un signo de distinción por encima de todo. Poco antes, Holly y Paul se inclinan ante un estante que contiene un collar con diamante amarillo. En 1878, Charles Tiffany se hizo propietario de un enorme diamante amarillo cuyo peso era de 287.42 kilates, el cual fue recortado en 90 caras de tal manera que perdió la mitad de su peso, pero logró un brillo impresionante. La gema se encuentra en exhibición en la la tienda de la Quinta Avenida.
Anillo de diamante amarillo cuyo
costo es de US$30,000
El color Azul Tiffany puede apreciarse en varios utensilios que parecen como parte del mobiliario del departamento de Holly, incluso ella duerme con un antifaz que deja pensar que de alguna otra manera el negocio estaba relacionado con la producción del film.

El color Azul Tiffany está registrado como color de marca de Tiffany & Co. por lo que no está disponible al público y no aparecen en los muestrarios de Pantone Matching System. Suele ser confundido con el turquesa pero el Azul Tiffany obedece a coordenadas de color distintas.

Tan igual que al vestido negro de cóctel de Givenchy, Audrey Hepburn convirtió en clásica del cine la canción "Moon River", música Henry Mancini y letra de Johnny Mercer.
Escena de la película Breakfast At Tiffany's (1961)

Notas:
- La novela Breakfast At Tiffany's de Truman Capote se publicó en 1958 por la editorial Random House. En ella la historia de "Holly Golightly" se ubica entre los años 1943 - 1944.

- A diferencia de la película, el escritor que se enamora de Holly solo narra la historia de esta y no revela su nombre.

- La suerte que corre en la novela el gato de Holly, el "gato sin nombre", también es muy distinta de lo que ocurre en la película.

- La película Breakfast At Tiffany's fue dirigida por Blake Edwards (1922 - 2010), quien dirigió otras películas éxito como "Victor Victoria" y la saga "La Pantera Rosa" con el actor británico Peter Sellers.

- Se dice que Truman Capote quiso para el papel de Holly Glightly a Marilyn Monroe. Lee Strasberg, profesor de actuación de Marilyn la convenció de rechazar e papela ya que este trataba de una mujer promiscua. Paramount finalmente ofreció el papel a Audrey Hepburn.

- Truman Capote no estuvo satisfecho con la elección de Hepburn para su personaje e incluso asisitió al set de filmación de la pelícua con cara de pocos amigos con la finalidad de verla fracazar, pero en el transcurso del reodaje, al comporbar que en efecto estaba dandole vida tal y cual estaba pensada en su libro, terminó adorandola y feliz con su participación.

- Audrey Hepburn en los primeros días del rodaje pensaba seriamente desistir y abandonar la película porque creía no estar metida en un personaje de un caracter muy diferente al suyo. Con el paso de los días llegó a adquirir confianza y Holly Glightly fue el personaje con el que será identificada siempre.

- La canción "Moon River" fue pensada por Henry Mancini para Audrey Hepburn. Cuando Mancini le presentó la canción ya con la letra de Johnny Mercer, Audrey Hepburn sospechó que la letra tenía un contenido o mensaje vicioso y se negó a cantarla. Johnny Mercer tuvo que explicarle a Audrey el sentido de la letra, que trata de una persona que le canta a la luna como su compañera en su vagar por el mundo, lo que de cierta manera encarna el sentido de la historia de Holly Golightly. Luego de ello Audrey Hepburn estuvo encantada con la canción.

- Luego de filmada la escena en que Audrey Hepburn canta la canción sentada en la ventana de su apartamento y con el pelo recogido con una toalla, u ejecutivo de la Paramount Pictures, dueña de la película, sugirió que la escena fuera eliminada en la edición final de la película. Audrey Hepburn muy conocida por su caracter jovial y dulce, puso el grito en el cielo y dijo que eliminarían esa escena "¡Pasando sobre mi cadaver!".

- La película "Breakfast At Tiffany's" se estrenó el 5 de octubre de 1961.

-La Película "Breakfast At Tiffany's" como la canción "Moon River" han sido consideradas "cultural y artísticamente históricas".

"Río de luna, más ancho que una milla
Algú día te cruzaré con estilo
Oh, creador de sueños, rompe corazones
Por donde quieras que vayas, voy por tu camino

Dos vagabundos, que salen a ver el mundo
Tanto mundo por ver
Vamos tras el final del arco iris
Al tanto de lo que hay a la vuelta de la esquina
Río de luna, mi amigo Huckleberry y yo
-Moon River-







Soundtrack:
Moon River: Henry Mancinim Jhonny Mercer 

Max Marruffo S.

sábado, 25 de junio de 2011

1967. EL VERANO DEL AMOR. MONTEREY POP FESTIVAL (IV)

 Escucha mientras lees

Janis Joplin la Reina de Monterey

Entre los días 16, 17 y 18 de junio se conmemoró los 44 años del Festival Internacional de Música POP de Monterey (MONTEREY POP FESTIVAL), uno de los dos festivales musicales más importantes que se dieron en la legendaria década de los 60’s (el otro fue Woodstock 1969).

Monterey constituyó la presentación en sociedad del Movimiento Hippie.

Esta es la cuarta y última parte de una semblanza de aquel acontecimiento, desde sus antecedentes, las circunstancias que lo rodearon y su legado en la cultura contemporánea.

VÍNCULOS RELACIONADOS:

CAPÍTULO I LA GUERRA DE VIETNAM. EL DESCRÉDITO ESTADOUNIDENSE

CAPÍTULO II EL VERANO DEL AMOR

CAPÍTULO III PREPARANDO EL FESTIVAL

Famoso cuadro de Grace Slick vocalista de Jefferson Airplane que recrea el Festival de Monterey y a los artistas que partciparon en él, entre los cuales se puede identificar a Marty Balin, Janis Joplin, Otis Redding, Mama Cass Elliot, Pete Townshend y Roger Daltrey, a ella misma, Jerry García, David Crosby, Keith Moon, Neil Young, Papa John Phillips, Jimi Hendrix, Ravi Shankar, Ben Fong Torres (editor de la aún inexistente -en ese entonces- Rolling Stone Magazine) y Brian Jones, entre otros
Capítulo 4. EL FESTIVAL

4.1 El Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y Piedras Rodando en el camino. Algunas ausencias
Fueron muchos los músicos notables que se prestaron para la promoción de éste inolvidable festival: Paul McCartney (The Beatles) quien recomendó encarecidamente la participación de Jimi Hendrix, Mick Jagger (The Rolling Stones), Brian Willson (The Beach Boys), Paul Simon, etc.

No obstante ser Paul McCartney uno de los promotores, su banda The Beatles, jamás fue pensada como parte de los conciertos. No olvidemos que los Beatles dejaron de presentarse en público a mediados de 1966 por acuerdo unánime de sus miembros, lo que no impidió que de alguna otra forma hagan sentir su presencia. Enviaron una gran cartulina con dibujos hechos por los cuatro a fin que sea rematada y se obtenga fondos para la realización del evento. Por otro lado, en cada intermedio se hacía sonar su música a través de los parlantes, en especial el recientemente lanzado: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.

Portada del álbum Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (The Beatles) catalogado por la Revista Rolling Stone como el album más importante de la historia del Rock

El álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band salió a la venta el 1 de junio y en menos de una semana había colocado cerca de trescientas mil copias, obtuvo el respaldo inmediato del público y de la crítica especializada y fue considerado como una obra maestra y algo antes nunca hecho en la música POP.


El entusiasmo que causó en los músicos de aquel entonces se patentizó en el hecho que Jimi Hendrix y su banda (la Jimi Hendrix Experience), en una presentación en el Saville Teather de Londres, apenas dos días después del lanzamiento del disco, improvisó un cover del tema principal, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (intro).

La interpretación de Sgt. Peppers por Hendrix ha sido retribuida por McCartney hasta el día de hoy en sus presentaciones en vivo con el riff de Foxie Lady al finalizar la canción
Let Me Roll It.

Para la historia, la publicación del Sgt. Pepper’s vino a coronar el Verano del Amor y no pudo haber existido mejor cortina musical para el Festival.


Respecto de otros créditos ingleses que conformaban la Invasión Británica junto con los Beatles y cuya ausencia también fue sentida,  la de The Rolling Stones no ha sido explicada coherentemente. Se ha dicho que Mick Jagger y Keith Richards atravesaban por esos días problemas de consumo de drogas, no obstante, se puede ver a éste último en la película del festival como parte del público, lo mismo que al fundador de la banda, Brian Jones, quien además fue el encargado de la presentación de Hendrix. La música de Stones también estuvo presente pues Eric Burdon and The Animals, hicieron el cover de Paint It Black en el turno de esta agrupación.

Brian Jones (Rolling Stones) entre el público de Monterey

Donovan, el Bob Dylan de Inglaterra en los 60’s, creador entre otros temas de Sunshine Superman, no pudo presentarse en Monterey debido a problemas con el Departamento de Inmigración de los EE.UU. ya que poco tiempo antes había sido encontrado en posesión de drogas lo que le valió la expulsión de ese país. The Kinks tampoco pudo formar parte del espectáculo ya que por una disputa legal con un sindicato de músicos local estaba impedido de realizar presentaciones en vivo en suelo americano. Cream, la super banda conformada por Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker se abstuvo de concurrir pese a la invitación menospreciando el evento al tildarlo de poco adecuado para vender su imagen en la Unión Americana, a diferencia de la agrupación Captain Beefheart y The Magic Band -cuyo líder Don van Vliet falleció en diciembre del 2010- que desistió al creer que no estaban bien preparados para asumir el reto.

Brian Wilson y los Bech Boys

En el lado de los artistas americanos, la ausencia más sentida fue la de Dionne Warwick quien pese a comprometer su participación tuvo que renunciar ya que antes había sido contratada para otro espectáculo evitándose así líos judiciales. The Beach Boys, la agrupación surf más importante de los 60’s fue desechada a última hora por los organizadores alegando que podían sonar pasados de moda, decisión realmente injustificada.

Lo cierto es que, para los días del evento, la salud de Wilson, principal compositor de los chicos de la playa y uno de los promotores de Monterey, se encontraba deteriorada debido al stress que le había causado la producción de su obra Smile a la cual él solía referirse como su sinfonía juvenil dedicada a Dios. El deseo de hacerla perfecta lo llevó a hacer tomas interminables de cada canción quedando siempre insatisfecho y hartando a sus compañeros. Cuando las grabaciones se truncaron y Wilson fue diagnosticado con problemas mentales, éste los acusó de poco colaboradores y los responsabilizó del fracaso. Así, en junio de 1967, The Beach Boys era una banda con problemas internos lo que hacía presagiar a cualquiera que tendrían un bajo desempeño. Para Wilson, el Festival era la mejor plataforma para el lanzamiento del disco.

Los trabajos de Beach Boys, contemporáneos al Festival, fueron Pet Sounds y Smile Smile (hecho con algunas canciones que llegaron a ser editadas del proyecto trunco Smile) que para la crítica de ese entonces -y la actual- colocaban al grupo solo por  detrás de The Beatles.

Finalmente Smile fue completado y lanzada al mercado por Brian Wilson en 2004 mereciéndole varias nominaciones y premios Grammy.

4.2 Las instalaciones
El espectáculo fue montado en el Monterey County Fairgrounds, ubicado en Monterey – California, dentro de un pequeño estadio adyacente a un gran campo. Se trata de un recinto ferial en el que se realiza, hasta el día de hoy, todo tipo de eventos, entre ellos, un Festival de Jazz (Festival de Jazz de Monterey) desde 1954. Es como una suerte de Huampaní (para nosotros, los de Lima - Perú).

Para aquella ocasión, se colocaron paredes o divisiones de madera que aislaron el estadio cual auditorio dentro del cual podían ingresar cerca de 7,000 personas, pagando la suma de 6.50 dólares por silla. Para ingresar al campo adyacente se tenía que pagar 1.00 dólar. Existieron asientos reservados cerca al escenario (tipo VIP) para los altos ejecutivos de disqueras internacionales por los que se cobró la suma de 150 dólares cada uno. Quienes no ingresaban al auditorio o al campo, se conformaban con montar sus carpas o tiendas en los alrededores. Mucha gente sólo fue por el lugar, paseó y luego se retiró.

Vista frontal del escenario del Monterey POP Festival. La foto corresponde a la actuación de Ravi Shankar

En los alrededores del recinto principal se instalaron pequeños kioscos de venta de artesanía hippie por los cuales se cobró un derecho de concesión.

En total, con público asistente al auditorio (cada uno de los tres días), como el ingresante al campo adyacente y el que acampó en los alrededores, fueron cerca de 200,000 las personas que fueron testigos de este gran acontecimiento de la música POP.

Día de concierto
4.3 Show time
El festival duró 3 días. Viernes 16, sábado 17 y domingo 18 de junio de 1967, con presentaciones por la mañana, tarde y noche. No se produjeron desmanes, no hubo detenidos ni muertos, pero esto no fue suficiente para que algunos medios no pongan en tela de juicio la inocencia o candidez con la que se publicitó el evento. El LSD y la marihuana fueron consumidos en gran abundancia. Owsley Stanley, el químico del LSD, obsequió a todo el equipo ejecutivo y músicos participantes, una droga creada para la ocasión: el ácido Monterey Purple.

Todos los artistas participaron en forma gratuita con excepción del músico indio Raví Shankar, a quien por su actuación se le pagó poco menos de 5,000.00 dólares.

Los participantes, según los días de su actuación fueron:

Viernes 16, The Association (quienes abrieron el festival), The Paupers, Lou Rawls, Beverly Martyn, Johnny Rivers, Eric Burdon and The animals y Simon and Garfunkel.

Sábado 17, Canned Heat, Big Brother and The Holding Company, Country Joe and The Fish, al Kooper, The Butterfield Blues Band, The Electric Flag, Quicksilver Messanger Service, Steve Miller Band, Moby Grape, Hugh Masakela, The Byrds, Laura Nyro, Jefferson Airplane, Booker T. and The M. G’s., Otis Redding.

Domingo 18, Ravi Shankar, The Blues Project, Big Brother and The Holding Company (que hicieron esta segunda presentación como desagravio a Janis Joplin), The Group With No Name, The Grateful Dead, Jimi Hendrix Experience, The Who, The Buffalo Springfield, The Mamas and The Papas (quienes se encargaron del cierre).

Monterey constituyó la carta de presentación en América para Jimi Hendrix quien no obstante ser estadounidense, lanzó y desarrolló su carrera en Inglaterra. Como ha quedado dicho, la presentación de este extraordinario artista fue posible gracias a la recomendación de Paul McCartney.

La cartelera en general fue una mezcla de artistas entre poco conocidos en el ámbito internacional; artistas locales con discos de éxito a la fecha de celebración del festival; artistas extranjeros cuya presentación constituía una promoción y artistas consagrados.

A diferencia de lo que ocurrió en Woodstock no hubo una preferencia por solo artistas blancos.

Definitivamente los triunfadores fueron, Janis Joplin (quien con su calidad vocal relegó a un segundo plano a su banda, la Big Brother and The Holding Company obteniendo un ventajoso contrato con la Columbia Records); Jimi Hendrix junto a su banda la Hendrix Experiencie; The Who; Jefferson Airplane y Otis Redding.

Otis
Los que no lograron dar la nota pese a su trayectoria fueron, The Byrds, The Grateful Dead y Buffalo Springfield.

Caso aparte fue el de Laura Nyro (cantautora de música POP) que llevó a cabo una performance para el ólvido, con escándalo incluido. Se quejó de no haber sido tratada cortésmente por el público quien manifestó su desagrado por lo aburrido de su actuación con silbidos y aplausos fuera de lugar; además, se quejó de la parte técnica diciendo que el manejo de luces no era el adecuado. Abandono su presentación intempestivamente en medio de lágrimas.

Muchos de los artistas mencionados se encontraban en plena ascenso a la fama como también otros en declive. Este último caso era el de The Animals bajo la dirección de Eric Burdon.

En el caso de Otis Redding, Monterey constituyó -practicamente-  su despedida apoteósica. Figura del Soul, quien no obstante interpretaba un tipo de música distinto al que la gente había ido a escuchar terminó siendo proclamado el Rey del festival, metiéndose en el bolsillo a un auditorio predominantemente blanco a quien bautizó como la multitud del amor. Otis murió 6 meses después en un accidente aéreo.

Sitar. Instrumento Hindú hecho popular entre los músicos POP a partir de su utilización en discos de The Beatles y The Rolling Stones
El festival permitió que el sonido del Sitar indio quede definitivamente enrolado a la música POP. Ya había sido utilizado en canciones de The Beatles y de los Stones, pero la presentación de Ravi Shankar (por cerca de 4 horas) fue definitiva para que esto ocurra.

Fue en Monterey, donde Pete Townshend de The Who destrozó su guitarra y los amplificadores al final de la canción My Generation; mientras que el baterista Keith Moon pateó sus tambores haciéndolos rodar por el escenario. Esta escena quedó registrada para siempre en la historia del Rock como símbolo de su poder expresivo, además, la imagen de Townshend en su éxtasis destructivo ha sido repetida o imitada por generaciones posteriores de músicos sea en su presentaciones en público o en las tapas de sus álbumes (es el caso del primer álbum de The Clash).

Algo distinto fue lo hecho por Jimi Hendrix.

Al final de la interpretación de Wild Thing, en una suerte de ritual mágico quemó su guitarra luego de haberla hecho vibrar con el feed  más famoso del Rock para terminarla demoliendola y despedazárla.

Entre lo hecho por Hendrix y lo hecho por Townshend existió una marcada diferencia. Ambos imprimieron en estos actos enorme fuerza y nivel expresivo convirtiéndolos en hechos de leyenda y en imágenes inseparables de los 60’s.

Soul Sacrifice. Jimi Hendrix prende fuego a su guitarra luego de rociarle bencina al final de la interpretación de Wild Thing

4.4 Tras bambalinas
El presupuesto para la puesta en marcha del festival fue tan limitado que las integrantes de The Mamas and The Papas, Cass Elliot y Michelle Phillips, tuvieron que hacer de telefonistas .

A diferencia de Woodstock, los artistas tuvieron las atenciones adecuadas del caso. Un enorme buffet se encontró siempre dispuesto con carnes, mariscos, bebidas y demás.

El ácido no dejó de circular entre el equipo técnico. El Monterey Purple afectó tanto al luminotécnico Chip Monck que no le permitió darse cuenta que muchas veces dirigía el cañón de luz a un punto entre los espectadores y el cielo o que bañaba con luz roja todo el escenario durante la actuación completa de algunos artistas como fue el caso de Simon and Gurfunkel. Esto motivó que Lou Addler, uno de los organizadores, exigiera a Owsley Stanley, proveedor de la droga, se retire del lugar bajo amenaza de sacarlo a patadas.

Se dice que en el ambiente había un penetrante olor a marihuana que la policía o no quería darse cuenta o no lograba identificarlo.

Un momento álgido se produjo entre los artistas cuando, Pete Townshend (de los Who) y Jimi Hendrix discutieron acaloradamente respecto de quien debía salir primero al escenario. Los Who consideraban que les correspondía primero a ellos por tener mayor trayectoria en Inglaterra y haber ya colocado discos de éxito en los Estados Unidos; mientras que Hendrix consideraba ser la atracción por el cartel con el que llegó al festival. Esta discusión se venía sosteniendo desde que abordaron juntos el avión que los trasladó a California.

Se dice que, ante la insistencia de Townshend, Hendrix se paró encima de una silla y cual acto de desafío tocó su guitarra haciendo endemoniados riffs que no dejo al primero sin cierta perplejidad.

Townshend y los Who en climax destructivo en Monterey
4.5 Filmación y audio
Habiéndose previsto la transmisión televisada en directo del festival, ello no ocurrió finalmente. Sin embargo, se efectuó una filmación por parte del camarógrafo Wally Heider bajo la dirección de D.A. Pennebaker.

Este material recién vio la luz como un documental completo el año 2007. Antes se conocía solo algunas secuencias. En aquel año se sacó a la venta tres DVD’s conteniendo, un resumen del festival con la actuación de los artistas que se consagraron gracias a él; actuaciones no comprendidas en ese resumen y las presentación completas de Otis Redding y de Jimi Hendrix.

Poster oficial y empaque del DVD del Monterey POP Festival

La doble participación de los Big Brother and The Holding Company y su cantante estrella Janis Joplin se debió al hecho que, el manager del grupo, sin expresar motivo alguno ordenó que se apaguen las cámaras al momento de su presentación el día sábado 17. Cuando se le informó a Joplin que su actuación no había quedado registrada rompió en llanto. Espontáneamente John Phillips y Lou Addler le ofrecieron a ella, no al grupo, una nueva presentación para el día domingo. Lo que significa que, en esa segunda actuación, en realidad Janis actuaba como solista y no  como parte de la banda, la cual pasó a ser sólo una banda de acompañamiento.

D.A. Pennebaker
En cuanto al audio. Debe tenerse presente que antes del Festival Internacional de Música Monterey 1967, no se había llevado a cabo evento de similar envergadura.

La legendaria presentación de The Beatles en el campo de beisbol Shea Stadium en 1965 (que por primera vez convocó a cerca de 100,000 espectadores en una presentación de Rock&Roll) se había desarrollado utilizando el sistema de sonido de dicho recinto, no un sistema de sonido para un concierto de música. Como se indica en el documental Anthology -Historia de The Beatles (1995), lo único que se hizo en aquella ocasión fue conectar los micrófonos de los amplificadores y voces a los parlantes del estadio.

Para el festival de Monterey, en cambio, se comenzó a experimentar medios y sistemas de sonido especialmente diseñados para grandes escenarios al aire libre y que pudiera hacer llegar la música a los oídos de miles de miles de personas, experimentación que encontró su camino definitivo a la perfección en el festival de Woodstock (dos años después).

Al respecto, en la película de Pennebaker, se puede apreciar a David Crosby de los Byrds quedar impresionado en la prueba de sonido: Es grandioso!


Modelos de micrófonos Shure. El modelo 55S (izquierda) utilizado por Elvis en su primera época. En su honor fue bautizado como Micrófono Elvis. Aún sigue en venta. El modelo 565SD (derecha), famoso por haber sido utilizado en el festival de Woodstock (1969). También sigue en venta.

4.6 Legado del festival
Cabe reconocer en John Phillips y Lou Addler el mérito de haber organizado éste legendario festival (catalogado por muchos de los artistas que estuvieron allí presentes, como infinitamente mejor al de Woodstock cuyo único mérito fue la cantidad desbordante de público) partiendo de la nada en cuanto a experiencia se trata.

En efecto, antes de Monterey, sólo se habían dado festivales musicales de Rock&Roll, Jazz y Psicodelia en recintos cerrados o espacios abiertos pero para un número limitado de asistentes.

Gracias al festival de Monterey, en adelante se cuidaría no solo el planificar la presencia de los artistas, sino también lo necesario para la salvaguarda de la seguridad y salud de los asistentes, la organización del transporte y acceso de rutas, las comunicaciones, los servicios higiénicos y demás que a la fecha se puede apreciar como algo normal en este tipo de concentraciones.

Vista aerea de Woodstock
El festival de Monterey fue un festival sin fines de lucro, esto es, todo lo recaudado fue donado íntegramente a instituciones de caridad lo cual se mantiene hasta el día de hoy con la venta del material filmográfico y demás derechos relacionados con aquel. Monterey fue el primer festival benéfico de la historia del Rock, predecesor de otros desarrollados en los 70’s y, a gran escala -con el auge de las telecomunicaciones- en los 80’s.

Monterey fue el festival que permitió la interacción de artistas que cambiarían para siempre los moldes de la música POP y que puso en alerta a las disqueras respecto de una nueva orientación musical, más comprometida con el arte, la política y la sociedad.

No fue Woodstock el que dio a luz un movimiento trascendental, irrepetible, que cambió los patrones de comportamiento de los jóvenes frente al orden establecido que los vio nacer. Fue Monterey. Sin duda.

"Si quieren pueden quedarse, esto será todos los años"
(Mama Cass en la despedida del festival) The Mamas & The Papas

"My Generation" The Who en Monterey 

"Wild Thing" Hendrix en Monterey

The Big Brother y Janis Joplin. Monterey  


1967. Aquí en Perú
Junio de 1967. El suscrito cumplía 5 años el día 20. No obstante mi corta edad, tenía noción de algunas canciones que eran populares por aquella época en Lima. Recuerdo que en ese entonces sonaba mucho por las radios With a Little Help from My Friends de The Beatles.

En 1967, la televisión peruana a través del Canal 4 todos los mediodías propalaba High Life, noticiero “sobre los acontecimientos sociales del alto mundo”; el canal 5, Panamericana Televisión, transmitía por las noches (8.00 pm.) Patapúfetes con el cómico argentino Pepe Biondi.

Las letras peruanas se vistieron de luto con la muerte del escritor Ciro Alegría autor de, entre otras obras, El Mundo es Ancho y Ajeno y La Serpiente de Oro.

Francia suscribe un acuerdo con Perú para la venta de aviones Mirage, hecho que fue duramente reprobado por el Congreso y Ejecutivo de los Estados Unidos produciéndose una crisis diplomática. Fernando Belaunde Terry era el Presidente del Perú.

Por ese entonces, la moneda peruana (Sol de Oro) se encontraba fuertemente devaluada.

En el plano futbolístico, se disputaban la Copa Perú el Alfonso Ugarte de Chiclín - La Libertad, Octavio Espinosa de Ica, el Juan Aurich de Chiclayo, el Melgar FBC de Arequipa, el Cienciano del Cuzco y el Colegio Nacional de Iquitos, subiendo a la categoría profesional los cuatro primeros. En cuanto a torneos internacionales, Universitario de Deportes se enfrentó al Racing Club de Avellaneda - Argentina, en tres partidos por las semifinales de la Copa Libertadores de América. El tercer partido (definitorio) se jugó en Santiago de Chile, venciendo el equipo argentino.

Madeleine Hartog Bell consiguió la corona de Señorita Mundo (Miss World) 1967 para el Perú.
Fin
Banda sonora de este capítulo:
 Big Brother and the Holding Company - Ball and Chain
The Jimi Hendrix Experience  - Wild Thing
Simon and Gurfunkel - Homeward Bound
 Otis Redding - I’ve Been Loving You Too Long Time
The Byrds - He was a friend of Mine
Para más información de estos temas ver Fichero musical
Max Marruffo S.