…Que
estaré pensando en ti,
Todos
mis días,
Vivirás
en mi alegría y mi tristeza
Reinarás
en el altar del alma mía…
-“Cada domingo a las doce”- Augusto Polo Campos
Esta vez la “flaca” se
soltó con todo y blandió zarpazos con su guadaña a diestra y siniestra
llevándose a verdaderos hitos de la música.
La revista Rolling
Stone se pregunta si no es final de la era del rock. También nos advierte -con
lo que coincidimos- que dada sus edades, muchas de las estrellas de los 60’s y
70’s ya son venerables septuagenarios, por lo que deberíamos hacernos a la idea
que el resto del año y los próximos, transcurran de manera solemne con noticias
de tristes partidas*.
En alguna ocasión,
homenajeando a un músico fallecido, dije que lo que causa verdadera conmoción
es que esos vacíos que dejan, difícilmente pueden ser cubiertos por otros que a
pesar de tener trayectorias llenas de discos superventas, portadas de revistas,
miles de apariciones en la tele, nunca darán la medida.
Entonces, si bien es cierto
que quedan los discos, el rock difícilmente seguirá desarrollándose con
talentos y buenas canciones y mensajes rotundos y contundentes que iluminen a
varias generaciones. Hoy en día algunas emisoras de la capital tildan a su
programación como de “música
contemporánea”, lo que a mi entender equivale a “cualquier cosa, para escuchar en cualquier momento y escupirla al
instante”.
Normalmente UNA PARA
EL SUNSET hace un listado de los que se fueron el año anterior, pero esta vez,
desde que se inició el 2016, son varios quienes ya atravesaron el otro lado,
como insistía Morrinson en una canción de los Door’s, por lo que también son
incluidos en esta triste lista.
Por todos, un recuerdo
y una gratitud a Ben E. King,
B.
B. King, Lemmy Kilmister, David
Bowie, Natalie Col,
Glenn Frey, Paul
Kantner.
“Stand
By Me” Ben E. King (1938 - 2015)
Conscientes del valor
ínsito de las canciones o himnos gospel,
muchos jóvenes cantantes afro estadounidenses grabaron sus primeros éxitos
sobre la base de temas viejos de ese estilo. A diferencia del rhythm and blues, la música gospel era suave, adecuada para temas de amor y con muchas más
probabilidades de ser recepcionada fácilmente por las audiencias blancas, lo
que implicaba no solo mayores ventas de discos sino también aparecer en
programas de televisión a nivel nacional.
Estos jóvenes no hacían
caso de lo que sus viejos decían, que esta música debe transmitir la palabra de
Dios y sólo debía ser cantada en su casa.
Así vieron la luz temas
netamente gospel como “Stand By Me” que nunca dejará de sonar mejor que en la voz de Ben E. King.
Benjamin Earl Nelson (su
verdadero nombre), nació en Carolina del Norte en 1938 y antes de su
trayectoria solista integró el famoso grupo vocal doo wop, The Drifters, con los que grabó “This Magic Moments” (1959) uno de sus temas referentes. Bajo la
producción de Phil Spector y las letras del tándem Lieber - Stoller también
hizo conocida “Spanish Harlem” (1960).
"Spanish Harlem" Ben E. King
“Stand
By Me” (1961) se inspiró en un tema gospel titulado “Stand By Me Father” de los legendarios The Soul Stirrers que King reescribió para The
Drifters cuando era su vocalista principal, pero que no llegaría a grabar con
ellos. Más adelante el tema sufriría modificaciones y se le introduciría
arreglos por parte de Lieber y Stoller, entre los cuales aparece la más famosa
línea de bajo de la historia del rock’n’roll, que es su nota característica.
Para finales de los 60’s la canción se convirtió en un himno de
esperanza para los jóvenes que habían sido enviados a pelear en Vietnam.
En 1974 John Lennon
registró una de sus más afortunadas versiones.
"Stand By Me" John Lennon
“Stand
By Me” vio reverdecer su gloria cuando fue
escogida como tema principal de la película “Cuenta
conmigo” (Columbia Pictures, dirigida por Rob Reiner, con River Phoenix,
año 1986).
La canción puede ser entendida como una canción de
amor o una plegaria, dado su origen:
Cuando la noche nos cae/La tierra oscurece/Y la luz de la luna es
lo único que nos alumbra/No tendré miedo si tú estás conmigo
Si el cielo se viniera abajo/La montaña se deslizara hacia el
mar/No tendré miedo si tu éstas conmigo
No lloraré, ni asomará una sola lágrima/Quédate conmigo…
"Stand by Me", vídeo oficial de la película "Cuenta conmigo". Ben E. King
B. B. King y su guitarra “Lucille”
(1925-2015)
Fue el mayor referente
de la música blues además de fuente
de inspiración para ciento de guitarristas que germinaron en la década de los
60’s y 70’s en todos los rincones del mundo, desde Eric Clapton a la leyenda
argentina Norberto Napolitano, conocido como “Pappo”.
Rompiendo esquemas B. B. King integró
a su música tanto el jazz como el swing y el pop,
proyectándola por más de 70 años a un público que le rendía culto
fervientemente en cada una de sus presentaciones.
Originario del sur de
los Estados Unidos, exactamente del estado de Mississipi, a sus veinte años
solía pasar algunas temporadas en el estado vecino de Tennessee a efecto de
perfeccionar su estilo gracias a la interacción con portentosos músicos como
T-Bone Walker. En esas andanzas conoce al célebre productor Sam Phillpis (que
más adelante sacaría de su canasta a un joven camionero de apellido Presley)
con el que grabaría sus primeros discos a finales de la década de los 40’s. La
mano santa de Phillips le permitiría tener más adelante, en 1952, su primer
disco número uno, “3 O’Clok Blues”,
canción en donde B. B. King comienza
alternar, como un dialogo, su voz y el sonido de su guitarra, característica
que se convertiría en su signo distintivo.
No obstante la década de
los 50’s sería testigo de su despegue discográfico, los complicados patrones
raciales estadounidenses impedían que su música alcance un reconocimiento de
alcance internacional, por lo que en los 60’s, como muchas estrellas del blues
y del R&B, recibió un desagravio
por parte de las bandas inglesas de la llamada British Invasion que lo integraron a sus giras mundiales gracias a
lo cual daría a conocer su arte en todo el mundo. De ahí nace su relación con
los Rolling Stones y con Eric Clapton.
De
esos años 50’s son “You Know I Love You”, “Woke Up This
Morning”, “Please Love Me”, “You Upset Me Baby”, “Sneakin' Around”, entre otros.
De los 60’s, “Sweet Sixteen”, “The Thrill Is Gone” y de los 70’s “To Know You Is to Love You”, “I Like
to Live the Love”.
En la década de los 80’s se da a conocer a las nuevas
generaciones en “When Love Comes To Town” grabado con los irlandeses de U2.
Su guitarra, a la que bautizó como “Lucille”,
recibió un merecido homenaje cuando la Gibson sacó al mercado la ES-335 de
nombre similar en 1980.
"Rock me Baby", B. B. King, Buddy Guy, Jimmy Vaughan, Eric Clapton
B. B. King y Norberto Napolitano "Pappo" en el Madison Square Graden NY
Lemmy Kilmister fue Motörhead (1945-2015)
Banda metalera británica
de sonido raudo y áspero que alteró los cánones rockeros de mediados los 70’s,
razón suficiente para ser catalogada como hito de la música, fórmula que le
sirvió para sobrevivir y trascender a la violenta onda punk en los 80's y con la que tuvo
algunas coincidencias sin claudicar a su fe en el rock’n’roll.
Kilmister se
interesó por la música tras acudir al Cavern
Club de Liverpool para ver una
presentación de cuatro chicos que se hacían llamar The Beatles. Tenía 16 años,
edad suficiente para ser influenciado por la música diferente que provenía de
aquella banda y por la actitud de uno de sus componentes, John Lennon.
Al igual que este, Lemmy
tuvo una familia disfuncional, de la que constantemente vivía alejado,
conociendo la dureza de la calle antes de llegar a la veintena, lo que quizá le
daría el material que aportaría a los grupos previos que integró hasta
Motörhead.
Durante la década de los
6’0’s integró una serie de proyectos efímeros hasta que a inicios de los 70’s
por fin recaló en una banda de verdad, en la que prestó su voz ocasionalmente,
además de tocar el bajo, The Hawkwind, cuya temática era el rock espacial. Una
de sus intervenciones con el micrófono fue la canción “Silver Machine” que escaló las listas británicas hasta el tercer
lugar (1972).
Lemmy Kilmister en Hawkwind "Silver Machine"
Tras su salida no
pacífica de Hawkwind, en 1975 decide formar su propia banda con el guitarrista
Larry Wallis y el baterista Lucas Fox, dándole el nombre de Bastard y que luego
sería cambiado por el de Motörhead, palabra que hace referencia al consumidor
de anfetas y que era el título de una canción que Lemmy había escrito para Hawkwind.
Esta alineación Kilmister, Wallis y Fox,
sería la original de Motörhead, aunque no necesariamente la alineación con la
que la banda comienza su despegue. Kilmister,
Wallis y Fox no llegarían a grabar ningún disco, pero sí a tener presentaciones
como teloneros de bandas con cierto jale como Blue
Öyster Cult. Para 1976 el proyecto
Motörhead se vería presionado a efecto de lanzar un primer disco, sin
embargo, para ello, se desconfió del formato de trío, integrando a otros elementos
como el guitarrista Eddie “Fast” Clarke. Inesperadamente Wallis y Fox abandonan
el incipiente Motörhead y a Kilmister y
Clarke se les une el baterista Phil Taylor (fallecido también el 2015), quedado
así conformada su formación clásica.
"Whorehouse Blues" Motörhead
Motörhead no es una
banda metalera más, es una que cambió patrones y por ello, en la época de su
aparición, levanto mucha resistencia. Sin temor a equivocarnos podemos decir
que la banda liderada por Lemmy Kilmister
mantuvo a flote los principios con los que nació el rock’n’roll en una
época en que las discográficas y el punk hacían todo lo posible para mandarlo al
tacho.
En esto radica la
importancia de este músico. El tesón y coraje que tuvo para mantenerlo a flote,
en contra de la voluntad de muchos.
"Overkill" Motörhead
David
Bowie, el Duque Blanco (1947-2016)
Si
quienes introdujeron innovaciones a la música son considerados sus hitos, nadie
mejor que este músico inglés que nos hablaba de odiseas espaciales (aunque en la realidad prefería viajar en tren a tener que subirse a un avión) para reclamar
el honor.
Sin hacer odiosas comparaciones, siempre
hay una partida que más se siente. Esta fue la de David Bowie. Con él se va una
parte importante de lo que fue esa cultura con la que respiramos, bebimos y nos
alimentamos en nuestra adolescencia.
Su
trayectoria alcanzó el máximo reconocimiento cuando las cosas habían cambiado
notablemente en los 80’s, pero ese cambio lo vino forjando él desde la década
anterior. No fue por lo tanto un advenedizo que brilla cuando otros ya no
están, por el contrario, el avizoró lo que otros no querían ver, el planteó lo
que otros no querían aceptar, y terminó quedando en el camino mientras otros
perdían el rumbo.
Los
jóvenes que no entienden por qué se le conoce como el “camaleónico Bowie” deben seguirle la pista desde mediados de los 60’s, cuando contra la corriente trataba de
hacer voltear la mirada a un mercado que la tenía clavada en el rock de la
costa oeste estadounidense. El apostó por una propuesta estética tan avanzada
para su época que el mainstream no
entendía, aunque otros artistas relegados como él si.
Se
asentó en la costa este del país del norte e hizo migas con artistas plásticos
como Andy Wharol y con bandas que al igual que él hacían asco al mugriento rock
de San Francisco y Los Angeles, como era el caso de los Velvet Underground.
Logró quizá, lo que Paul McCartney no pudo hacer
junto a su banda (Billy Shear del Sgt. Peppers), dar vida a un personaje que cual alter ego supla la imagen real del artista que lo crea e interpreta.
En 1969, bajo la producción de Tony Visconti ideó una canción de la cual brotó un personaje con trapío distinto a los
personajes de una canción de rock cualquiera de la época, the Major Tom
(Comandante Tom), un mando de una nave espacial, que se convertiría en el
primer personaje cuasi real del imaginario de Bowie. La canción fue “Sapece Oddity” que estuvo en
consonancia con el magno acontecimiento del Apolo 11 en el mes de julio de ese
año. Se despuntaba el rock teatral, llamado también performance que sería llevado hasta sus últimas consecuencias por
Peter Gabriel y los Pink Floyd.
Su imagen andrógina, delgada y contenida en una
maya ceñida, era la antítesis de la imagen rockera, que gustó a muchos sin
importarles el lugar que sus canciones escalaban en las listas. Era también el
inicio del glam rock.
Pero the Major Tom solo sería un esbozo de lo que
vendría luego. En 1972 Bowie graba la canción “Starman” de donde comienza identificarse al mítico personaje Ziggy
Stardust, su criatura emblemática.
Starman también es un personaje, pero según la
explicación que alguna vez hiciera el propio Bowie, mientras este es el “Ser”,
Ziggy solo era su mensajero en la tierra.
Bowie encarnó a Ziggy de tal manera que quienes lo
iban a ver a los conciertos creían que estaban viendo realmente al hombre del
espacio. A su preparación musical había agregado sus estudios de teatro y mimo.
Para su puesta en escena Bowie había recurrido a las técnicas del teatro
experimental japonés Kabuli.
"Space Oddity" David Bowie
El rock había dejado de ser solo letra y música.
El punto álgido de esta etapa de Bowie fue su
álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (año 1972),
en el que se presenta como si él mismo fuera Ziggy. Para ese entonces ya tenía
formada su banda de acompañamiento, los Spiders from Mars (Mick Ronson,
guitarra; Trevor Bolder bajo; Mick Woodmansey, batería y Mike Garson,
teclados).
Y como en el concepto de su creador, Ziggy de por
si tenía sus días contados dado que la misión que el Starman le había
encomendado era imposible cumplirla sin perder la vida (salvar a una humanidad
que no quiere ser salvada y más bien contagiarse de sus bajezas) Bowie decide
dar un giro inesperado y el mismo se encarga de darle vuelta para pasar a otra
cosa. El público no entendía pero el genio comienza a mostrar su naturaleza
cambiante, camaleónica.
En 1973 surge un nuevo personaje alejado de la temática
espacial, Aladine Sane, personaje inspirado en un familiar
esquizofrénico y que aporta la imagen icónica con la que siempre se recordara
la faceta teatral de Bowie.
"Starman" David Bowie
Luego, en 1976, aparecería la última encarnación
de Bowie en aquella década, the Thin White Duke, inserto en el álbum Station to
Station.
Previo a este trabajo, Bowie había echado mano al soul, al r&b y a la música de cabaret, lo que se vio reflejado en
Diammond Dogs (1974); posteriormente al pop
y al funky en Young Americans (1975),
del que forma parte la canción “Fama”
co-escrita con John Lennon.
En Station to Station, retorna a la base soul pero agregando música electrónica y
aires de vanguardia con un sesgo facho y aristocrático.
The Thin White Duke es otro ser interestelar pero
con pinta de artista de cabaret de los años 20 o 30. Como personaje ya aparecía
en el álbum Young Americans y es prestado del personaje que interpretó en la
película “El hombre que cayó a la tierra” dirigida por Nicolas Roeg y estrenada
el mismo año. Es más, la tapa del álbum muestra al personaje en una escena de
la película.
"Station to Station" David Bowie
The Thin White Duke también reflejaría la época en que Bowie cayó en las garras de la
cocaína.
Por lo demás, Station to Station contiene una
música que sería el sonido de los 80’s, con muchos teclados y sintetizadores.
La llegada de los 80’s sorprende Bowie disfrutando
del éxito e inclinándose por un arte más mundano y comercial, golpeando los
primeros lugares con temas como “Lets
Dance”, “Modern Love” y “China Girl”.
A partir de 2004 se apartó de la escena cuando en una gira por Alemania le sobrevino un preinfarto. El 8 de enero, dos días antes de su partida, cumplió 69 años y anunciaba un nuevo álbum, Blackstar. En sus últimos años olvidó el nombre artístico de David Bowie y se reencontro con su verdadero yo, David Jones. Murió de cáncer.
"Modern Love" David Bowie
Natalie
Cole, Inolvidable (1950-2015)
Heredera de una de las voces referentes de
la canción estándar norteamericana de los años 50’s, Nat King Cole, Natalie
hizo lo suyo durante década de los años 70’s aprovechando que en casa era común
alternar con estrellas del jazz, soul y el blues amigos de papá quienes le daban algunos concejitos si se
animaba hacer sus primeros pinitos en el mundo de la música. Lo suyo fue el
r&b y soul a despecho de muchos
que la imaginaron incursionando en el formato estándar al igual que su padre.
No obstante que su madre se esmeró en que culmine el colegio y tenga una buena formación universitaria, luego de
graduarse con honores como psicóloga infantil, Natalie se dedicó de lleno a su
faceta de cantante logrando fichar para la Capitol Records, el mismo sello en
que grabó su padre.
"This Will Be", Natalie Cole
Su primer álbum, “Inseparable” (1975), la hizo conocida pero muchos asociaban su estilo
al de Aretha Franklin con la que desgraciadamente los ejecutivos de su
discográfica la enfrentaron en una rivalidad absurda.
El primer sencillo del álbum, “This Will Be” le valió su primer
premio Grammy como mejor artista vocal r&b
y soul, pero el reconocimiento
absoluto lo obtuvo el año siguiente, 1976, con su segundo álbum titulado
Natalie, en donde aparecían “Sophisiticate
Lady” y la célebre “Mr. Melody” con
influencias funky y jazz.
Ntalie Cole, Live At The White House, "What's Going On"
En un ascenso imparable, Natalie logra
dos discos platinos en el año 1977, lo que hasta ese momento no había logrado ningún
artista femenino blanca o afroamericana, gracias a sus álbumes Impredecible y
Thankful. Fue ese año 1977 que Natalie se presentó en Lima, en la Concha Acústica
del Campo de Marte. Hecho muy raro pues en ese momento era una mega
estrella de la música.
"Smile" Natalie Cole
En los años 80’s la carrera de Cole atravesó
altos y bajos, pero se mantuvo presente en el mercado discográfico.
Pero fue en 1991 que Natalie Cole grabaría
el que fue su álbum superventas, “Unforgettable...
with Love”, un disco con versiones de los temas que hicieron de su padre
una leyenda de la música, sello Elektra. Este disco le reportó siete discos
platinos, el Grammy al mejor álbum del año y otros cinco por grabación del año,
interpretación vocal pop, canción del año -“Unforgettable”-,
arreglos y producción.
Natalie murió a la edad de 65 años.
Natalie murió a la edad de 65 años.
“Unforgettable” Nat King Cole y Natalie Cole
Glenn
Frey, the New Kid in Towm (1948-2016)
 |
| Álbum "Hotel California" Eagles |
Cameron Crowe, periodista, guionista y director de cine se inspiró en Frey para dar vida a Russell, un guitarrista miembro de la banda ficticia Still Waters de la película Casi Famosos.
Glenn Frey co-fundó
Eagles junto a Randy Meisner (bajo), Bernie Leadon (guitarra) y Don Hemley (batería
y voz), luego de haber trabajado por mucho tiempo como músico de sesión de
artistas country como Linda Ronstand. Esa sería la formación original e
histórica que se mantuvo intacta hasta antes del lanzamiento del que sería la
obra cumbre de la banda, Hotel California.
Nacido en la ciudad de Detroit durante su
infancia y adolescencia alternó con hijos de obreros lo que le permitió
escudriñar en la música popular de su país, además de dedicarse a la práctica
de deportes como el futbol y la lucha, lo que le daría un porte atlético algo
alejado de la imagen del rockero flaco y esmirriado.
"Take It Easy" versión 1973 Live BBC, Londres.
Conformación original de Eagles
Tras formar algunas bandas se mudó a Los
Angeles en donde conoció a J. D. Souther y Jackson Brown quienes con el paso de
los años, al igual que él, conquistarían fama y fortuna en el mundo de la
música. J. D. Souther se dedicó por completo a la composición (le dio muchos de
sus números uno a Eagles), mientras que Brown se erigiría como uno de los más
notables cantautores y músico country de su país. Con ellos co-escribió algunas
canciones que más adelante grabarían en sus respectivos proyectos, como es el
caso de “Take It Easy”, primer número
uno de Eagles. Era el año 1968, y el movimiento hippie aún ejercía su
influencia en la costa oeste estadounidense. Este dato es importante
mencionarlo en la vida de Frey pues
el ambiente que vivió ahí le motivaría a escribir el tema más importante de su
banda, “Hotel California”.
"On of these night" Eagles
Gracias a la mediación de Linda Ronstand,
Glenn Frey, Meisner, Henley y Leadon, pudieron grabar su primer disco
como Eagles en 1972, alcanzando el número uno en ventas, gracias, entre otros
temas, a “Take It Easy”, la canción
que co-escribió con Jackson Brown unos años atrás.
"Lyin' Eyes" 1977. Eagles
El sonido de Eagles es tributario de una
senda que a mediados de los años 60’s inauguraron The Byrds y fue desarrollada
por Gram Parsons (miembro fugaz de Byrds), los Flying Burrito Borthers
(conformado también por ex-Byrds como Chirs Hillman y Michael Clarke) y de una
manera indirecta por Crosby, Stills & Nash.
El sello que caracterizará a Eagles desde
sus inicios, es la precisión tanto en la sala de grabación como en los
conciertos. En una década en que el músico de rock, atrofiado de arrogancia, le
era igual si lo que tocaba en los conciertos no se parecía en nada a lo que
sonaba en sus grabaciones, Frey se
empeñó en que el público de la banda disfrute de cada canción en vivo como si
estuvieran escuchando el disco. Ese sello de distinción acompañará a Eagles
hasta sus últimos días y eso les será siempre reconocido.
Eagles lanzaron solo cinco álbumes de
estudio, a partir del tercero se irán perfilando más por un rock audible,
limpio y con más llegada a las emisoras de radio, sin embargo es injusto tildar
a la banda de comercial.
"New Kid in Town" Eagles, versión 1977
Muchos críticos de música rock han
reconocido que Eagles, en la década de los 70’s llegó a erigirse como la banda
con más influencia en el mundo de la música, tras la desaparición de los
dinosaurios que recorrieron los escenarios en los lejanos 60’s. Incluso, se
dice que de no haber sucumbido a sus propios excesos, podían haber llegado a
ser catalogados de la misma manera que otras bandas como míticos.
Por ello resulta paradójico que su
penúltimo álbum, el que más ventas obtuvo, el que los encumbró en la cima
máxima de la popularidad, Hotel California, fue a la vez su canto de cisne.
"Hotel California" Eagles, versión 1977
La canción que co-escribió con Don Henley
es una alegoría a la California de los años 60’s, cuna del movimiento hippie,
del conocido como rock de la costa oeste, centro en que convergieron músicos y
artistas y gente de todas partes y en que a la vez se desarrollaron muchos de
los símbolos de la decadencia de los tiempos modernos como las drogas
alucinógenas, el sexo libre, los conceptos radicales y extremos de la libertad
personal (esto es, ese rollo que David Bowie aborrecía y que lo llevó a
proponer una propuesta diferente -más artística- y a afincarse en el otro
extremo, la costa este).
Conformación histórica de Eagles, que duraría hasta el álbum "One of these night" 1975. De izquierda a derecha, Bernie Leadon, Randy Meisner, Don Henley y Glenn Frey
Segunda y última etapa de la banda. Timothy Schmit. Glenn Frey, Don Henley, Joe Walsh
La frase Hotel California, no hace alusión a ningún negocio de hospedaje,
real o ficticio, es una alegoría de California como un lugar de desmadre, en
que se llevó a cabo una gran fiesta y luego todos se marcharon dejándole solo
sus miserias (El edificio de estilo clásico que aparece en la tapa del álbum,
es el hotel Holliday Inn de la ciudad de Los Angeles).
 |
| Don Felder. Creador del famoso riff de guitarra de Hotel California |
Además, la orientación empresarial que Glenn Frey aplicó a la actividad
artística de la banda, lo llevó a convertirse en una suerte de tirano por la
excesiva mano fuerte que aplicaba. Esa actitud hizo alejarse a Randy Meisner, a
Bernie Leadon y más adelante a Don Felder, guitarrista que ingresó a la banda
antes de la partida de los dos primeros, convirtiéndola en un quinteto con una
línea de tres guitarras y un bajo.
"How Long" Eagles
Para la grabación del álbum Hotel
California el guitarrista Bernie Leadon se había marchado e ingresado en su
reemplazo Joe Walsh. Luego se iría Meisner quien sería reemplazado por Timmoty
Smith, quedando así la alineación Frey,
Henley, Felder, Walsh y Scmit, con la que se culminó la primera etapa en 1980 y
que luego que se presentó en el año 1994 en un programa de televisión (Hell
Freezes Over), dando inicio a la segunda etapa, si bien la más larga, dedicada
a las giras y conciertos más que a la grabación de nuevo material, aunque con
gran éxito económico.
En lo personal, siempre tuve la
esperanza, hasta antes de la muerte de Frey,
de poderlos ver en directo en mi país. Esa posibilidad se ha desvanecido con el
acuerdo tomado por los demás integrantes de poner punto final a la existencia
de Eagles.
Paul Kantner y el aeroplano de
Jefferson (1941-2016)
 |
| Álbum "Take Off" Jefferson Airplane |
La
movida hippie se fue gestando a lo largo de varios años y podríamos decir sin
temor a equivocarnos, que su origen data de la década de los 50’s aunque su
aparición o presentación en sociedad se dio a mediados de los años 60’s.
Fueron
muchos los elementos que con el paso del tiempo se fusionaron para darle forma,
tanto estética como ideológica.
La
pinta, el pelo largo en los varones y lizo, largo y caído en las mujeres; la
indumentaria, ropa de corte eduardiano adquirida en tiendas de ropa usada, con
collares, pulseras, sandalias fue prestada del movimiento beatnik y de los clanes surfers
de las playas de California de los años 50’s.
En
cuanto a la música, la movida no adoptó el jazz
al igual que los intelectuales y artistas que habitaban las casas de alquiler
económico en la bahía de San Francisco, sino el rock’n’roll y el folk, aunque sí imitaron el consumo de
marihuana.
Estos
proto hippies eran en su mayoría jóvenes recién salidos de la adolescencia y
pertenecientes a familias de clase media que escapaban de la vida anquilosada
de las zonas suburbanas que poco a poco comenzaron a poblar los mismos lugares
que los beatniks, como es el caso del
barrio de Haight & Ashbury. Su ser inquieto, ruidoso fue alejando a sus
antiguos ocupantes y comenzó a quedar mayor espacio para que más jóvenes
pudieran llegar y conseguir albergue barato en las casa de la zona.
Cuando
en febrero de 1964, los Estados Unidos conocieron el fenómeno de la beatlemanía, muchos de estos jóvenes
decidieron organizarse en bandas en las que ensayaban una mezcla de rock’n’roll y folk.
Algunos avispados con capital suficiente, decidieron habilitar casonas antiguas
como lugares de baile, contratando a grupos de manera más o menos estable. En
dichos locales se comenzaron a desarrollar fiestas amenizadas por aquellas
bandas en la que la música era sazonada con alcohol, marihuana y productos alucinógenos
que comenzaron a ser introducidos por químicos autodidactas.
Cuando
lo que ocurría en San Francisco fue haciéndose conocido en otras partes de los
Estados Unidos, otros cientos de adolescentes decidieron unirse al rollo,
algunos tan solo para pasar el rato sin frenos ni controles, otros con afán de
experimentación y algunos con afán artístico.
Paul
Kantner Lorin, conocido como Paul Kantner,
no necesitó venir de lejos porque el nació en San Francisco, pero trabó amistad
con uno venido de Ohio, de nombre Martyn Jerel Buchwald, que sería conocido en
el mundo de la música como Marty Balin.
 |
| Jefferson Airplane (conformación del año 1969) Grace Slick, Jorma Kaokunen, Jack Casady, Marrty Balin, Paul Kantner y Spencer Dryden |
Balin
había conseguido algo de dinero tocando en algunas bandas y también gracias a
su oficio de pintor y escultor. Había participado como bailarín en una película
que tuvo repercusión a nivel mundial titulada West Side History. Con lo que tenía montó una casa de baile y le
planteó a Kantner (guitarra) formar
un grupo que toque en dicho lugar. A ellos se les unirían luego Skip Spence
(batería), Jorma Kaokunen (guitarra), una chica de nombre Signe Anderson que
fue elegida vocalista y finalmente Jack Casady (bajo). Era el año 1965. El
nombre que le dieron a la banda fue uno inspirado en un presidente de los
Estados Unidos, Thomas Jefferson. El nombre fue originalmente The Blind Thomas
Jefferson Airplane, que luego se simplificaría como Jefferson Airplane.
Sus
presentaciones en el club “Matrix”, nombre que le dio Balin a su sala de baile,
pronto comenzaron a estar en boca de todos los chicos y chicas que poblaban la
zona de Haight. Su propuesta musical fue el denominado folk rock inspirado en los trabajos de Bob Dylan, The Byrds y como
no de The Beatles. Cuando a las letras de las canciones de aquella onda, se les
comenzó a agregar las experimentaciones que algunos compositores habían tenido
con alguna droga alucinógena, a esa música se le comenzó a llamar rock psicodélico. Jefferson Airplane se
constituyó en uno de los puntales de la psicodelia
y así fue como les llegó un contrato de la RCA para grabar su primer álbum en 1966,
Jefferson Airplane Takes Off, el cual obtuvo buenas ventas no solo en San
Francisco, sino también en otros lugares a donde nunca habían ido, ello les permitió
su primer disco de oro y ser contratados para locales más grandes.
"House at Pooneil Corners" Jefferson Airplane desde una
azotea en Nueva York, 1968. The Beatles imitarían la idea
en 1969 en la filmación de Let It Be
Cuando
la vocalista Signe Anderson dejó la banda para dedicarse al cuidado de su
primera hija, el puesto fue ocupado por Grace Slick, una cantante de otro grupo con cierto prestigio, The Great
Sociaty. Así quedó conformada la alineación fundacional de Jefferson Airplane.
Grace Slick se convertiría no solo en un elemento insustituible en la banda
sino en una de las mejores cantantes de la costa oeste.
Grace
aportó también temas que había escrito durante su estancia en Great Sociaty,
que luego se convertirían en temas clásicos de Jefferson, como “White Rabbit” y “Somebody to Love” temas puntales de la psicodelia y que aparecieron en el nuevo álbum Surrealistic Pillow
de 1967.
"Somebody To Love" jefferson Airplane en el festival de Monterey 1967
Con
dos discos exitosos, tocando para grandes audiencias y con buena cantidad de
dinero, los Jefferson Airplane se convertirían en representantes de aquel
fenómeno que se desarrolló en el verano boreal de aquel año 1967 que se
denominó “El verano del amor”
acontecimiento que presentó al mundo el movimiento artístico, filosófico y
cultural denominado Movimiento Hippie.
Jefferson
Airplane compartió con otras bandas de San Francisco, como The Gratful Dead, la
Big Brother and the Holding Company y su cantante Janis Joplin, el reinado del
rock conocido como “rock de la costa oeste” y participó, junto a ellas, en los
tres conciertos multitudinarios que registro como parte de su existencia el
movimiento hippie, el festival de Monterey, Woodstock y Altamont que se
desarrollaron en 1967 y 1969.
Paul Kantner comenzó
a sobresalir en la composición cuando escribió el tema Wooden Ships que sería
un éxito de Crosby, Stills & Nash. Luego escribió el tema “We Can Be Together” aparecida en el álbum Volunteer’s de 1968 y
que contenía las famosa líneas “contra la
pared, hijos de puta” y “con el fin
de sobrevivir, nosotros robamos, engañamos, mentimos, falsificamos, fornicamos,
nos escondemos y conciliamos”.
En
1969 comienzan a aparecer los primeros problemas que llevarían más adelante a
la disolución de Jefferson Airplane. Kantner inicia una relación sentimental con
Grace Slick mientras ella era pareja oficial del baterista Spencer Dryden.
Luego que Slick se separa de Drynden, Kantner
y ella comienzan una relación de convivencia.
 |
| Paul Kantner, Grace Slick y la hija de ambos, China |
En
1970, Kantner edita su primer álbum
solista denominado Golpe contra el
Imperio de signo futurista con el apoyo de su pareja la cantante Grace
Slick. Es a partir de dicho trabajo que Kantner y Slick comienzan a gestar la
banda Jefferson Starship que sucedería a Jefferson Airplane cuando quedó
disuelta en 1974. Jefferson Starship desarrollaría una música más acorde con
los gustos del mercado. A la banda se unirían luego Marti Balin y otros ex-miembros
de Jefferson Aerplane, por lo que muchos consideran que se trata de dos etapas
de una misma historia.
En
1978, Kantner y Slick se separan, siendo retirada también de la banda. Kantner
seguirá con Jefferson Starship y en 1984 abandona su creación, época en que
retorna Grace Slick. Ella y los otros músicos reconvertirían a Jefferson
Starship en tan solo Starship, proyecto que tendría gran repercusión en MTV.
En
la década de los 90’s Paul Kantner,
recuperaría el nombre de Jefferson Starship y lo relanzaría con discos y
conciertos, manteniéndose en actividad hasta el 28 de enero del presente año
día en el que falleció.
Un
dato, ese mismo día falleció también la primera vocalista de Jefferson Airplane,
Signe Anderson, que fuera sustituida por Grace Slick.
"Volunteers" Jefferson Airplane
Queremos también ofrecer nuestra gratitud eterna, sin importar el
oficio, a:
Ninón Sevilla, Tim Drummond, Dallas Taylor, Demis Roussos,
Danny McCullough, Leonard Nimoy, Daevid Allen, Mike Porcaro,
Andy
Fraser, Cynthia
Lennon, Luis Delgado Aparicio, Bob Burns,
Eduardo
Galeano, Günter
Grass, Percy Sledge, Ben Molar,
Maya
Plisétskaya, Pancho
Guevara, Manuel Acosta Ojeda,
Louis Johnson, Christopher
Lee, James Last, Ornette Coleman,
Hugo
Blanco, Laura
Antonelli, Dick Van Patten, Omar Sharif,
Joan Sebastian, Tom Moore (creador
de Archie), Lynn Anderson,
Cilla Black, Raphy Leavitt, Miguel Ángel Cornejo, Guillermo
Rubalcaba,
Maruja Venegas Salinas,
Armando “Manny” Martinez (ex Teen Tops),
Fredy Ternero, Humberto Martinez Morosini, Steve Mackay,
Maureen O’Hara, Luis Díez-Picazo, Phil Taylor,
Leonardo Franco (Los Iracundos), Robert Loggia, Long John
Hunter,
Robert Stigwood, Alfredo “Chocolate”
Armenteros, Alan Rickman,
Ettore Scola…
(*) Mientras escribía este post, se
anunció la muerte de Paul Kantner.
Soundtrack:
Those
Magic Moments - The Drifter’s
Hey,
Mr. Melody - Natalie Cole
Last
Dance - David Bowie
Tequila
Sunrise - Eagles
White
Rabbit - Jefferson Airplane
Concepto, texto y
referencia:
MAX MARRUFFO S.