miércoles, 9 de marzo de 2016

EL BEATLE GEORGE MARTIN (1926 – 2016)

 Escucha mientras lees
George Martin (1926 - 2016)
Si eres un beatlemaníaco o tan solo te agradan algunas de sus canciones y acostumbras silbar o tararear una de sus líneas de bajo, de guitarra o de piano; o acostumbras escuchar “Love Me Do” o “Eight Days a Week” imitando el sonido de las palmas, eso es gracias al BEATLE GEORGE MARTIN… por favor, no llamarlo “el quinto Beatle”.

Paul McCartney no puede mezquinarle su condición de miembro de la banda pues sin las cuerdas que George Martin colocó a su canción emblemática, “Yesterday”, hubiera parecido otra cancioncita de amor insípida.

Una de las características del fanático de los Beatles es su inclinación por la música clásica y estilos populares refinados, porque la música que hacía la banda era mucho más que rock’n’roll, esto… gracias a George Martin.

Son lejanos aquellos tiempos en que las estrellas de la música no reconocían más méritos que los suyos como la razón única de su fama y desconocían los méritos de aquellos que los rodeaban y desparecían bajo sus embotadas sombras. Vivimos en una época de lucha constante contra los abusos laborales, en que unos pocos se arrogan los méritos (y se llevan los réditos). La historia debe colocar a Martin en el lugar que le corresponde y este no es otro que como parte de la banda.

Cuando los otros cuatro decidieron prescindir de su trabajo (álbum Let It Be), la calidad declinó; cuando volvieron a él (álbum Abbey Road) la despedida fue a toda regla.

Al fin y al cabo, lo que escuchamos en los discos, más que una letra de John, Paul, George o Ringo, es el trabajo de su productor.

Gracias George Martin, por darnos una banda como The Beatles.

The Beatles
Soundtrack:
Pepperland: George Martin (banda sonora film Yellow Submarine),
álbum Yellow Submarine 1969.

domingo, 28 de febrero de 2016

PIGASUS, EL CERDO QUE QUISO SER PRESIDENTE DE LOS ESTADOS UNIDOS

 Escucha mientras lees
23 de agosto de 1968. Ciudad de Chicago. Los diarios calificaron
la represión contra los manifestantes que se congregaron en los
alrededores del edificio donde se llevaba a cabo la Convención Demócrata
como un ofensiva militar en toda regla  
Contrario a lo que muchos creen, Donald Trump no es el primer cerdo que se ha postulado a la presidencia de los Estados Unidos, pues en 1968 se le adelanto otro, este si hijo de buena madre y noble linaje, Pigasus, un simpático ejemplar de cola enroscada proveniente de la granja porcina de la comuna hippie Hog Farm, cuya candidatura fue presentada por los radicales Abbie Hoffman, Jerry Rubin y Paul Krassner en la convención del Partido Demócrata de ese año.

1968 sería un año harto difícil para la sociedad estadounidense puesto que su clase política, consiente que seguir difundiendo la idea del sueño americano no era suficiente para mantener ocultos los males endémicos que padecía el país, no  tuvo mejor idea que recurrir a la persecución y represión violenta de aquellos sectores que exigían cambios inmediatos y concretos y que por añadidura se oponían sin cuartel a nuevas aventuras militares como la guerra de Vietnam. Es el año en que tras la muerte inexplicada de John F. Kennedy el miedo recrudeció. En abril caería abatido por una bala que le atravesó el cuello el líder pro-derechos civiles y Premio Nobel de la Paz Martin Luther King Jr; en junio en plena conferencia de prensa Robert Kennedy, candidato de fuerza a la presidencia por el Partido Demócrata, moriría también baleado ante los ojos de sus seguidores y la prensa de todo el mundo. Para colmo frente a cualquier protesta la autoridad política no tendrá reparos en ordenar se dispare a matar contra las masas.

En el mes de febrero Hoffman, Rubin y Krassner, con el apoyo de intelectuales como Allen Ginsberg, habían fundado el movimiento Youth International Party -o simplemente Yippie- que debía entenderse como una alternativa para hacer una revolución en plan de joda que llamara la atención  de la sociedad pensante hacia una forma de vida distinta que proponía más sentido del humor, tolerancia, integración, experimentación con drogas alucinógenas y por sobre todo amor en lugar de un sistema violento e inhumano que machacaba a la mayoría.

Los Yippies llegan a Chicago 
Los Yippies no eran políticos militantes sino hippies provenientes de San Francisco que habían aprendido de los universitarios de Berkerley sus métodos de acción y propaganda y a organizarse de tal manera que pudieran defender sus ideales. Había culminado el verano del amor de 1967 en gran parte por la intervención policial  en lo que fue el lugar de origen y centro neurálgico de la movida hippie, el barrio de Haight y Ashbury, y porque el nuevo gobernador del estado de California, el mediocre actor de cine Ronald Reagan, les había declarado la guerra. Los hippies estaban convencidos que se requería un cambio espiritual, interior en el modo de entender la vida y que tenían derecho a creer en ello. No buscaban modificar la estructura social, pues ni siquiera entendían que era eso, mucho  menos buscaban conquistar el poder.

Presentación oficial de Pigasus como candidato a la presidencia
de los Estados Unidos, parque Lincol,  Ciudad de Chicago. 1968
Se suponía que los organizadores de la Youth International Party habían considerado unir fuerzas con otros movimientos con fines e ideales distintos que se alistaban a reunirse en la ciudad de Chicago en ocasión de la convención Demócrata a realizarse en el mes de agosto para exigir a la clase política en general que reconozca la existencia de puntos de vista diferentes, aunque en realidad tenía como finalidad hacer un cargamontón contra el gobierno de Lindon B. Johnson y su política interna como externa.

En la conferencia de prensa en que se dio a conocer el lanzamiento de la Youth International Party, Hoffman, Rubin y Krassner prometieron que su aporte sería la organización de un festival músico poético, denominado Festival de la Vida a realizarse en el Lincol Park, tan igual como los festivales hippies que se llevaban a cabo en el Golden Gate Park de San Francisco desde el año 1966. Para acentuar el matiz divertido del propósito de la participación del movimiento, anunciaron que ahí se lanzaría la candidatura de Pigasus, el cerdo que había alcanzado fama por  haber sido la mascota que la comuna Hog Farm llevó en su viaje por Europa y Asia.

Represión policial en Chicago, 1968
Ni los periodistas se salvaron
de la tanda
Con lo que no contaron los Yippies y las otras organizaciones era la forma brutal y antidemocrática que el alcalde de la ciudad de Chicago, Richard Diley, había planificado para reprimirlos y no permitirles ganar la atención en desmedro de la Convención Demócrata.

En agosto, mes en que se celebraría el evento, la ciudad parecía un territorio sitiado, lleno de efectivos de la policía, la guardia nacional y el ejército. Cualquiera podía pensar que se preparaba una ofensiva contra un enemigo alzado en armas que una contra estudiantes e idealistas. La prensa también fue su objetivo.

Un hecho que radicalizó la actitud de Diley fue el haber recibido una carta en que se le advertía que el agua potable de la ciudad sería contaminada con ácido lisérgico. Esto hizo sospechar a muchos que alguien estaba interesado en que la situación se descontrole.

Fin de la carrera política de Pigasus. La policía lo detiene
A partir de ello la fuerza al mando de Diley impidió a los manifestantes reunirse en los parques y marchar a través de las calles a punta de varazos, sin embargo también les había cerrado las rutas de salida de la ciudad y los dispersaba con gases y balas. En medio de esta situación los dirigentes de la Youth International Party muestran ante los periodistas a Pigasus, inmediatamente un agente se hizo del cerdo mientras otros policías se encargaron de reducirlos y detenerlos.

El saldo de detenidos y heridos fue tan grande que los mismos miembros del partido Demócrata rechazaron y denunciaron como contraria a los valores democráticos la estrategia de Richard Diley.

A más "amor y paz", más palo
Pese a ello una centena de personas sería sometida a procesos penales acusados por delito de asociación para delinquir, disturbios y ataque y resistencia contra la autoridad. Sorpresivamente el día que fueron absueltos tras una ardua lucha de sus abogados ante los tribunales, Hoffman, Rubin y Krassner confesaron a la prensa que su verdadero propósito fue solo causar desorden, esto es, se confesaron como meros agitadores, lo que dio pie a que Allen Ginsberg los acusara de traidores.

Con el paso de los años se atribuyó a Rubin el haber sido la persona que amenazó con contaminar el agua potable de la ciudad. Era la mejor manera de provocar a la autoridad. No tuvo en consideración las consecuencias ni le seguridad de los chicos y chicas que creían que luchaban por un ideal.

En cuanto a Pigasus nadie supo más de él, quizá terminó en alguna salchichería de la ciudad de Chicago.

video
“Ese to… ese to… eso es todo amigos”
-Porki-

Notas:

- En la génesis de la movida hippie existió una participación activa de colectivos de personas dedicadas o no a la actividad artística que la incentivó además de prestar auxilio con alimentos, vestimenta, cobijo y atención sanitario a la enorme cantidad de adolescentes y jóvenes que de todas partes de la unión se congregaron en Haight y Ashbury bajo el ideal del amor y una nueva forma de vida. Uno de estos colectivos era la  Hog Farm, dirigida y administrada por el poeta y actor de teatro Hugh Romney conocido en el ambiente literario de la generación beat y que fue rebautizado como Wavy Gravy por B.B. King (otras comunas célebres fueron los Diggers y los Merry Pranksters, estos últimos conocidos por haber organizado los primeros viajes colectivos de ácido).

Los Hog Farm fueron los encargados de la “seguridad” en el festival de Woodstock en agosto de 1969. A Wavy Gravy se le puede apreciar en la película organizando la repartición de alimentos a miles de jóvenes que se dieron cita, también recomendándoles que era mejor escuchar la música sin hincarse una dosis de ácido. Su método para controlar el desbande era utilizar la palabra “por favor has tal cosa” o “deja de hacer aquello”.

La Hog Farm aún existe y se encuentra instalada en el Estado de California. Wavy Gravy mantiene dentro de ella una escuela de clowns.

- Una de las razones por las que incautaron a Pigasus de las manos de los Yippies fue que en la ciudad de Chicago existía una ley contra el maltrato a los animales. Pigasus pesaba 65 kilos.

- Abbie Hoffman tuvo una actividad política muy intensa en los años 60 y 70. En 1967 lideró la marcha al Pentágono contra la guerra de Vietnam, marcha que se inició desde las escalinatas del monumento a Lincol. Su imagen fue evocada en la película Forrest Gump. Es el personaje que le da el uso de la palabra a Forrest para que hable sobre la guerra, intervención que no escucha nadie porque un milico sabotea el equipo de sonido. Tal y como ocurrió en la realidad, se le representa con una camisa que figura una bandera, mezcla de la de Estados Unidos y de la de Vietnam. Fue autor de un libro polémico desde su título: “Roba este libro” que es un clásico de la literatura de la Contracultura. Intentó boicotear el festival de Woodstock denunciando a bandas como The Who de cobrar y beneficiarse mientras miles de adolescentes y jóvenes pasaban las de Caín en medio de la lluvia, el lodo y el hambre por la desorganización del mismo. Le dieron dinero para que se calmara, supuestamente iba a ser empleado a favor de la causa Yippie, pero finalmente se lo tiró todo. Murió a los 63 años (1989) víctima de sobredosis de medicamentos que usaba contra desordenes nerviosos.


- Jerry Rubin, fue otro de los líderes de una comunidad hippie más inclinada al activismo político que a la contemplación de los placeres. Es el ejemplo de prototipo de joven que se hace hippie porque puede vivir sin trabajar. Provenía de un hogar de clase adinerada y estudió en el extranjero con el heredado de sus padres. Dejó la universidad para dedicarse a organizar marchas contra la guerra de Vietnam. También publicó un libro clásico del movimiento underground, Do It! (Hazlo). A comienzos de la década de los años 80 abandonó sus ideales y se vistió de traje y corbata para dedicarse a los negocios formando parte del mundillo de Wall Street. Fue uno de los primeros en apostar por Steve Jobs y su empresa Apple Inc. Esto lo convirtió en una suerte de referencia utilizada por enemigos del  movimiento hippie que calificaban su filosofía con desdén pues decían que los hippies no querían cambiar nada ya que cuando papá los llamaba a cubrir la presidencia de la empresa ellos se olvidaban del amor y las flores y se convertían en nuevos explotadores de la clase trabajadora. En un capítulo de la serie Alf, popular en los 80’s, se le satiriza sin compasión. Murió millonario, víctima de un accidente de tránsito en 1994. Tenía 56 años.

Jerry Rubin y Abbie Hoffman en los 80's

- Una de las canciones que formaron parte del álbum The Beatles (conocido como “álbum blanco”) lanzado a la venta en noviembre de 1968, fue “Piggies” (cerditos), escrita por George Harrison. Es uno de los temas en que George afila su lado caustico para hacer una crítica social, A Lennon le agradó el tema porque estaba en la línea de lo que quería hacer por ese entonces, actividad política. John hizo los sonidos de cerdo que se escuchan a los largo de la canción y sobre todo al final. Se dice que la canción está inspirada en la novela de George Orwell “Rebelión en la granja”, en donde se satiriza a los dictadores con la figura de los chanchos (forma peruana de decir “cerdos”). El estilo musical de opereta encaja con la acidez de la letra.

- En agosto de 1969, pocos días antes de la inauguración del festival de Woodstock, la comunidad de la ciudad de Los Angeles se conmociona al conocer la noticia del asesinato múltiple de personajes de la alta sociedad por parte de una comunidad pro hippie liderada por Charles Manson. El común de estos actos fue que como mensajes crípticos dejaban pintadas en las paredes con la sangre de sus víctimas frases que aludían a canciones del álbum blanco de los Beatles, entre ellas al tema de George Harrison, Piggies. Los Beatles se mantuvieron al  margen de los hechos para evitar generar teorías absurdas que  no solo afecten la imagen de su trabajo sino e recuerdo de las víctimas. Paul McCartney (cuyo título de su canción Helter Skelter también fue pintarrajeada por los asesinos) fue el único que contestó una pregunta al respecto diciendo: “Eso es algo que no tiene nada que ver con nosotros”.

Charles Manson adujo que las canciones del álbum de los Beatles  contenían mensajes ocultos dirigidos a su persona a efecto que proceda como lo hizo.

- En 1977 Pink Floyd lanza al mercado su álbum “Animals” en que sobresale su canción doble: Pigs on the wing (algo así como cerdos alados) escrito por Roger Waters y David Gilmour. A diferencia de Piggies de Harrison es un tema no crítico pero que reflexiona sobre las relaciones humanas.


Soundtrack:
Piggies: The Beatles – 1968
Pigs on the wing (I y II): Pink Floyd – 1977
Concepto y notas:
MAX MARRUFFO S.

domingo, 31 de enero de 2016

CUANDO TENGAS QUE PARTIR, QUIERO QUE SEPAS…LOS QUE SE FUERON EL 2015 Y LO QUE VA DEL 2016

 Escucha mientras lees



…Que estaré pensando en ti,
Todos mis días,
Vivirás en mi alegría y mi tristeza
Reinarás en el altar del alma mía…
-“Cada domingo a las doce”- Augusto Polo Campos

Esta vez la “flaca” se soltó con todo y blandió zarpazos con su guadaña a diestra y siniestra llevándose a verdaderos hitos de la música.
La revista Rolling Stone se pregunta si no es final de la era del rock. También nos advierte -con lo que coincidimos- que dada sus edades, muchas de las estrellas de los 60’s y 70’s ya son venerables septuagenarios, por lo que deberíamos hacernos a la idea que el resto del año y los próximos, transcurran de manera solemne con noticias de tristes partidas*.
En alguna ocasión, homenajeando a un músico fallecido, dije que lo que causa verdadera conmoción es que esos vacíos que dejan, difícilmente pueden ser cubiertos por otros que a pesar de tener trayectorias llenas de discos superventas, portadas de revistas, miles de apariciones en la tele, nunca darán la medida.
Entonces, si bien es cierto que quedan los discos, el rock difícilmente seguirá desarrollándose con talentos y buenas canciones y mensajes rotundos y contundentes que iluminen a varias generaciones. Hoy en día algunas emisoras de la capital tildan a su programación como de “música contemporánea”, lo que a mi entender equivale a “cualquier cosa, para escuchar en cualquier momento y escupirla al instante”.
Normalmente UNA PARA EL SUNSET hace un listado de los que se fueron el año anterior, pero esta vez, desde que se inició el 2016, son varios quienes ya atravesaron el otro lado, como insistía Morrinson en una canción de los Door’s, por lo que también son incluidos en esta triste lista.
Por todos, un recuerdo y una gratitud a Ben E. King,
B. B. King, Lemmy Kilmister, David Bowie, Natalie Col, Glenn Frey, Paul Kantner.

“Stand By Me” Ben E. King (1938 - 2015)


Conscientes del valor ínsito de las canciones o himnos gospel, muchos jóvenes cantantes afro estadounidenses grabaron sus primeros éxitos sobre la base de temas viejos de ese estilo. A diferencia del rhythm and blues, la música gospel era suave, adecuada para temas de amor y con muchas más probabilidades de ser recepcionada fácilmente por las audiencias blancas, lo que implicaba no solo mayores ventas de discos sino también aparecer en programas de televisión a nivel nacional.

Estos jóvenes no hacían caso de lo que sus viejos decían, que esta música debe transmitir la palabra de Dios y sólo debía ser cantada en su casa.

Así vieron la luz temas netamente gospel como “Stand By Me” que nunca dejará de sonar mejor que en la voz de Ben E. King.

Benjamin Earl Nelson (su verdadero nombre), nació en Carolina del Norte en 1938 y antes de su trayectoria solista integró el famoso grupo vocal doo wop, The Drifters, con los que grabó “This Magic Moments” (1959) uno de sus temas referentes. Bajo la producción de Phil Spector y las letras del tándem Lieber - Stoller también hizo conocida “Spanish Harlem” (1960).

"Spanish Harlem" Ben E. King

“Stand By Me” (1961) se inspiró en un tema gospel titulado “Stand By Me Father” de los legendarios The Soul Stirrers que King reescribió para The Drifters cuando era su vocalista principal, pero que no llegaría a grabar con ellos. Más adelante el tema sufriría modificaciones y se le introduciría arreglos por parte de Lieber y Stoller, entre los cuales aparece la más famosa línea de bajo de la historia del rock’n’roll, que es su nota característica.

Para finales de los 60’s la canción se convirtió en un himno de esperanza para los jóvenes que habían sido enviados a pelear en Vietnam.

En 1974 John Lennon registró una de sus más afortunadas versiones.


"Stand By Me" John Lennon

“Stand By Me” vio reverdecer su gloria cuando fue escogida como tema principal de la película “Cuenta conmigo” (Columbia Pictures, dirigida por Rob Reiner, con River Phoenix, año 1986).

La canción puede ser entendida como una canción de amor o una plegaria, dado su origen:

Cuando la noche nos cae/La tierra oscurece/Y la luz de la luna es lo único que nos alumbra/No tendré miedo si tú estás conmigo
Si el cielo se viniera abajo/La montaña se deslizara hacia el mar/No tendré miedo si tu éstas conmigo
No lloraré, ni asomará una sola lágrima/Quédate conmigo…

 "Stand by Me", vídeo oficial de la película "Cuenta conmigo". Ben E. King

B. B. King y su guitarra “Lucille” (1925-2015)


Fue el mayor referente de la música blues además de fuente de inspiración para ciento de guitarristas que germinaron en la década de los 60’s y 70’s en todos los rincones del mundo, desde Eric Clapton a la leyenda argentina Norberto Napolitano, conocido como “Pappo”.

Rompiendo esquemas B. B. King integró a su música tanto el jazz como el swing  y el pop, proyectándola por más de 70 años a un público que le rendía culto fervientemente en cada una de sus presentaciones.

Originario del sur de los Estados Unidos, exactamente del estado de Mississipi, a sus veinte años solía pasar algunas temporadas en el estado vecino de Tennessee a efecto de perfeccionar  su  estilo gracias a  la interacción con portentosos músicos como T-Bone Walker. En esas andanzas conoce al célebre productor Sam Phillpis (que más adelante sacaría de su canasta a un joven camionero de apellido Presley) con el que grabaría sus primeros discos a finales de la década de los 40’s. La mano santa de Phillips le permitiría tener más adelante, en 1952, su primer disco número uno, “3 O’Clok Blues”, canción en donde B. B. King comienza alternar, como un dialogo, su voz y el sonido de su guitarra, característica que se convertiría en su signo distintivo.

No obstante la década de los 50’s sería testigo de su despegue discográfico, los complicados patrones raciales estadounidenses impedían que su música alcance un reconocimiento de alcance internacional, por lo que en los 60’s, como muchas estrellas del blues y del R&B, recibió un desagravio por parte de las bandas inglesas de la llamada British Invasion que lo integraron a sus giras mundiales gracias a lo cual daría a conocer su arte en todo el mundo. De ahí nace su relación con los Rolling Stones y con Eric Clapton.

De esos años 50’s son You Know I Love You”, “Woke Up This Morning”, “Please Love Me”, “You Upset Me Baby”, “Sneakin' Around”, entre otros.

De los 60’s, “Sweet Sixteen”, “The Thrill Is Gone” y de los 70’s To Know You Is to Love You”, “I Like to Live the Love”.

En la década de los 80’s se da a conocer a las nuevas generaciones en  “When Love Comes To Town” grabado con los irlandeses de U2.

Su guitarra, a la que bautizó como “Lucille”, recibió un merecido homenaje cuando la Gibson sacó al mercado la ES-335 de nombre similar en 1980.

 "Rock me Baby", B. B. King, Buddy Guy, Jimmy Vaughan, Eric Clapton

B. B. King y Norberto Napolitano "Pappo" en el Madison Square Graden NY

Lemmy Kilmister fue Motörhead (1945-2015)


Banda metalera británica de sonido raudo y áspero que alteró los cánones rockeros de mediados los 70’s, razón suficiente para ser catalogada como hito de la música, fórmula que le sirvió para sobrevivir y trascender a la violenta onda punk en los 80's y con la que tuvo algunas coincidencias sin claudicar a su fe en el rock’n’roll.

Kilmister se interesó por la música tras acudir al Cavern Club  de Liverpool para ver una presentación de cuatro chicos que se hacían llamar The Beatles. Tenía 16 años, edad suficiente para ser influenciado por la música diferente que provenía de aquella banda y por la actitud de uno de sus componentes, John Lennon.

Al igual que este, Lemmy tuvo una familia disfuncional, de la que constantemente vivía alejado, conociendo la dureza de la calle antes de llegar a la veintena, lo que quizá le daría el material que aportaría a los grupos previos que integró hasta Motörhead.

Durante la década de los 6’0’s integró una serie de proyectos efímeros hasta que a inicios de los 70’s por fin recaló en una banda de verdad, en la que prestó su voz ocasionalmente, además de tocar el bajo, The Hawkwind, cuya temática era el rock espacial. Una de sus intervenciones con el micrófono fue la canción “Silver Machine” que escaló las listas británicas hasta el tercer lugar (1972).

Lemmy Kilmister en Hawkwind "Silver Machine"

Tras su salida no pacífica de Hawkwind, en 1975 decide formar su propia banda con el guitarrista Larry Wallis y el baterista Lucas Fox, dándole el nombre de Bastard y que luego sería cambiado por el de Motörhead, palabra que hace referencia al consumidor de anfetas y que era el título de una canción que Lemmy había escrito para Hawkwind. Esta alineación Kilmister, Wallis y Fox, sería la original de Motörhead, aunque no necesariamente la alineación con la que la banda comienza su despegue. Kilmister, Wallis y Fox no llegarían a grabar ningún disco, pero sí a tener presentaciones como teloneros de bandas con cierto jale como Blue Öyster Cult. Para 1976 el proyecto  Motörhead se vería presionado a efecto de lanzar un primer disco, sin embargo, para ello, se desconfió del formato de trío, integrando a otros elementos como el guitarrista Eddie “Fast” Clarke. Inesperadamente Wallis y Fox abandonan el incipiente Motörhead y a Kilmister y Clarke se les une el baterista Phil Taylor (fallecido también el 2015), quedado así conformada su formación clásica.

"Whorehouse Blues" Motörhead

Motörhead no es una banda metalera más, es una que cambió patrones y por ello, en la época de su aparición, levanto mucha resistencia. Sin temor a equivocarnos podemos decir que la banda liderada por Lemmy Kilmister mantuvo a flote los principios con los que nació el rock’n’roll en una época en que las discográficas y el punk hacían todo lo posible para mandarlo al tacho.

En esto radica la importancia de este músico. El tesón y coraje que tuvo para mantenerlo a flote, en contra de la voluntad de muchos.

"Overkill" Motörhead 

David Bowie, el Duque Blanco (1947-2016)


Si quienes introdujeron innovaciones a la música son considerados sus hitos, nadie mejor que este músico inglés que nos hablaba de odiseas espaciales (aunque en la realidad prefería viajar en tren a tener que subirse a un avión) para reclamar el honor.

Sin hacer odiosas comparaciones, siempre hay una partida que más se siente. Esta fue la de David Bowie. Con él se va una parte importante de lo que fue esa cultura con la que respiramos, bebimos y nos alimentamos en nuestra adolescencia.

Su trayectoria alcanzó el máximo reconocimiento cuando las cosas habían cambiado notablemente en los 80’s, pero ese cambio lo vino forjando él desde la década anterior. No fue por lo tanto un advenedizo que brilla cuando otros ya no están, por el contrario, el avizoró lo que otros no querían ver, el planteó lo que otros no querían aceptar, y terminó quedando en el camino mientras otros perdían el rumbo.

Los jóvenes que no entienden por qué se le conoce como el “camaleónico Bowie” deben seguirle la pista desde mediados de los  60’s, cuando contra la corriente trataba de hacer voltear la mirada a un mercado que la tenía clavada en el rock de la costa oeste estadounidense. El apostó por una propuesta estética tan avanzada para su época que el mainstream no entendía, aunque otros artistas relegados como él si.

Se asentó en la costa este del país del norte e hizo migas con artistas plásticos como Andy Wharol y con bandas que al igual que él hacían asco al mugriento rock de San Francisco y Los Angeles, como era el caso de los Velvet Underground.


Logró quizá, lo que Paul McCartney no pudo hacer junto a su banda (Billy Shear del Sgt. Peppers), dar vida a un personaje que cual alter ego supla la imagen real del artista que lo crea e interpreta.

En 1969, bajo la producción de Tony Visconti ideó una canción de la cual brotó un personaje con trapío distinto a los personajes de una canción de rock cualquiera de la época, the Major Tom (Comandante Tom), un mando de una nave espacial, que se convertiría en el primer personaje cuasi real del imaginario de Bowie. La canción fue “Sapece Oddity” que estuvo en consonancia con el magno acontecimiento del Apolo 11 en el mes de julio de ese año. Se despuntaba el rock teatral, llamado también performance que sería llevado hasta sus últimas consecuencias por Peter Gabriel y los Pink Floyd.

Su imagen andrógina, delgada y contenida en una maya ceñida, era la antítesis de la imagen rockera, que gustó a muchos sin importarles el lugar que sus canciones escalaban en las listas. Era también el inicio del glam rock.

Pero the Major Tom solo sería un esbozo de lo que vendría luego. En 1972 Bowie graba la canción “Starman” de donde comienza identificarse al mítico personaje Ziggy Stardust, su criatura emblemática.

Starman también es un personaje, pero según la explicación que alguna vez hiciera el propio Bowie, mientras este es el “Ser”, Ziggy solo era su mensajero en la tierra.

Bowie encarnó a Ziggy de tal manera que quienes lo iban a ver a los conciertos creían que estaban viendo realmente al hombre del espacio. A su preparación musical había agregado sus estudios de teatro y mimo. Para su puesta en escena Bowie había recurrido a las técnicas del teatro experimental japonés Kabuli.

"Space Oddity" David Bowie

El rock había dejado de ser solo letra y música.

El punto álgido de esta etapa de Bowie fue su álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (año 1972), en el que se presenta como si él mismo fuera Ziggy. Para ese entonces ya tenía formada su banda de acompañamiento, los Spiders from Mars (Mick Ronson, guitarra; Trevor Bolder bajo; Mick Woodmansey, batería y Mike Garson, teclados).

Y como en el concepto de su creador, Ziggy de por si tenía sus días contados dado que la misión que el Starman le había encomendado era imposible cumplirla sin perder la vida (salvar a una humanidad que no quiere ser salvada y más bien contagiarse de sus bajezas) Bowie decide dar un giro inesperado y el mismo se encarga de darle vuelta para pasar a otra cosa. El público no entendía pero el genio comienza a mostrar su naturaleza cambiante, camaleónica.

En 1973 surge un nuevo personaje alejado de la temática espacial, Aladine Sane, personaje inspirado en un familiar esquizofrénico y que aporta la imagen icónica con la que siempre se recordara la faceta teatral de Bowie.

"Starman" David Bowie

Luego, en 1976, aparecería la última encarnación de Bowie en aquella década, the Thin White Duke, inserto en el álbum Station to Station.

Previo a este trabajo, Bowie había echado mano al soul, al r&b y a la música de cabaret, lo que se vio reflejado en Diammond Dogs (1974); posteriormente al pop y al funky en Young Americans (1975), del que forma parte la canción “Fama” co-escrita con John Lennon.


En Station to Station, retorna a la base soul pero agregando música electrónica y aires de vanguardia con un sesgo facho y aristocrático.

The Thin White Duke es otro ser interestelar pero con pinta de artista de cabaret de los años 20 o 30. Como personaje ya aparecía en el álbum Young Americans y es prestado del personaje que interpretó en la película “El hombre que cayó a la tierra” dirigida por Nicolas Roeg y estrenada el mismo año. Es más, la tapa del álbum muestra al personaje en una escena de la película.

"Station to Station" David Bowie

The Thin White Duke también reflejaría la  época en que Bowie cayó en las garras de la cocaína.

Por lo demás, Station to Station contiene una música que sería el sonido de los 80’s, con muchos teclados y sintetizadores.

La llegada de los 80’s sorprende Bowie disfrutando del éxito e inclinándose por un arte más mundano y comercial, golpeando los primeros lugares con temas como “Lets Dance”, “Modern Love” y “China Girl”.

A partir de 2004 se apartó de la escena cuando en una gira por Alemania le sobrevino un preinfarto. El 8 de enero, dos días antes de su partida, cumplió 69 años y anunciaba un nuevo álbum, Blackstar. En sus últimos años olvidó el nombre artístico de David Bowie y se reencontro con su verdadero yo, David Jones. Murió de cáncer.
"Modern Love" David Bowie

Natalie Cole, Inolvidable (1950-2015)


Heredera de una de las voces referentes de la canción estándar norteamericana de los años 50’s, Nat King Cole, Natalie hizo lo suyo durante década de los años 70’s aprovechando que en casa era común alternar con estrellas del jazz, soul y el blues amigos de papá quienes le daban algunos concejitos si se animaba hacer sus primeros pinitos en el mundo de la música. Lo suyo fue el r&b y soul a despecho de muchos que la imaginaron incursionando en el formato estándar al igual que su padre.

No obstante que su madre se esmeró en que culmine el colegio y tenga una buena formación universitaria, luego de graduarse con honores como psicóloga infantil, Natalie se dedicó de lleno a su faceta de cantante logrando fichar para la Capitol Records, el mismo sello en que grabó su padre.

"This Will Be", Natalie Cole

Su primer álbum, “Inseparable” (1975), la hizo conocida pero muchos asociaban su estilo al de Aretha Franklin con la que desgraciadamente los ejecutivos de su discográfica la enfrentaron en una rivalidad absurda.

El primer sencillo del álbum, “This Will Be” le valió su primer premio Grammy como mejor artista vocal r&b y soul, pero el reconocimiento absoluto lo obtuvo el año siguiente, 1976, con su segundo álbum titulado Natalie, en donde aparecían “Sophisiticate Lady” y la célebre “Mr. Melody” con influencias funky y jazz.

Ntalie Cole, Live At The White House, "What's Going On"

En un ascenso imparable, Natalie logra dos discos platinos en el año 1977, lo que hasta ese momento no había logrado ningún artista femenino blanca o afroamericana, gracias a sus álbumes Impredecible y Thankful. Fue ese año 1977 que Natalie se presentó en Lima, en la Concha Acústica del Campo de Marte. Hecho muy raro pues en ese momento era una mega estrella de la música.

"Smile" Natalie Cole

En los años 80’s la carrera de Cole atravesó altos y bajos, pero se mantuvo presente en el mercado discográfico.

Pero fue en 1991 que Natalie Cole grabaría el que fue su álbum superventas, “Unforgettable... with Love”, un disco con versiones de los temas que hicieron de su padre una leyenda de la música, sello Elektra. Este disco le reportó siete discos platinos, el Grammy al mejor álbum del año y otros cinco por grabación del año, interpretación vocal pop, canción del año -“Unforgettable”-, arreglos y producción.

Natalie murió a la edad de 65 años.

“Unforgettable” Nat King Cole y Natalie Cole

Glenn Frey, the New Kid in Towm (1948-2016)


Álbum "Hotel California" Eagles
A Frey se le puede ver en la película Jerry Maguire (año 1996, dirigida por Cameron Crowe, con Tom Cruise en el papel de Jerry Maguire) como el mánager tacaño de un equipo de futbol americano que no quiere darle una ayudita económica a un venido a menos promotor deportivo luego que ha sido despedido de su trabajo. Antes había participado en la serie Miami Vice de los años 80’s.

Cameron Crowe, periodista, guionista y director de cine se inspiró en Frey para dar vida a Russell, un guitarrista miembro de la banda ficticia Still Waters de la película Casi Famosos.

Glenn Frey co-fundó Eagles junto a Randy Meisner (bajo), Bernie Leadon (guitarra) y Don Hemley (batería y voz), luego de haber trabajado por mucho tiempo como músico de sesión de artistas country como Linda Ronstand. Esa sería la formación original e histórica que se mantuvo intacta hasta antes del lanzamiento del que sería la obra cumbre de la banda, Hotel California.

Nacido en la ciudad de Detroit durante su infancia y adolescencia alternó con hijos de obreros lo que le permitió escudriñar en la música popular de su país, además de dedicarse a la práctica de deportes como el futbol y la lucha, lo que le daría un porte atlético algo alejado de la imagen del rockero flaco y esmirriado.


"Take It Easy" versión 1973 Live BBC, Londres.
Conformación original de Eagles

Tras formar algunas bandas se mudó a Los Angeles en donde conoció a J. D. Souther y Jackson Brown quienes con el paso de los años, al igual que él, conquistarían fama y fortuna en el mundo de la música. J. D. Souther se dedicó por completo a la composición (le dio muchos de sus números uno a Eagles), mientras que Brown se erigiría como uno de los más notables cantautores y músico country de su país. Con ellos co-escribió algunas canciones que más adelante grabarían en sus respectivos proyectos, como es el caso de “Take It Easy”, primer número uno de Eagles. Era el año 1968, y el movimiento hippie aún ejercía su influencia en la costa oeste estadounidense. Este dato es importante mencionarlo en la vida de Frey pues el ambiente que vivió ahí le motivaría a escribir el tema más importante de su banda, “Hotel California”.


"On of these night" Eagles
Gracias a la mediación de Linda Ronstand, Glenn Frey, Meisner, Henley y Leadon, pudieron grabar su primer disco como Eagles en 1972, alcanzando el número uno en ventas, gracias, entre otros temas, a “Take It Easy”, la canción que co-escribió con Jackson Brown unos años atrás.

"Lyin' Eyes" 1977. Eagles

El sonido de Eagles es tributario de una senda que a mediados de los años 60’s inauguraron The Byrds y fue desarrollada por Gram Parsons (miembro fugaz de Byrds), los Flying Burrito Borthers (conformado también por ex-Byrds como Chirs Hillman y Michael Clarke) y de una manera indirecta por Crosby, Stills & Nash.

El sello que caracterizará a Eagles desde sus inicios, es la precisión tanto en la sala de grabación como en los conciertos. En una década en que el músico de rock, atrofiado de arrogancia, le era igual si lo que tocaba en los conciertos no se parecía en nada a lo que sonaba en sus grabaciones, Frey se empeñó en que el público de la banda disfrute de cada canción en vivo como si estuvieran escuchando el disco. Ese sello de distinción acompañará a Eagles hasta sus últimos días y eso les será siempre reconocido.

Eagles lanzaron solo cinco álbumes de estudio, a partir del tercero se irán perfilando más por un rock audible, limpio y con más llegada a las emisoras de radio, sin embargo es injusto tildar a la banda de comercial.


"New Kid in Town" Eagles, versión 1977

Muchos críticos de música rock han reconocido que Eagles, en la década de los 70’s llegó a erigirse como la banda con más influencia en el mundo de la música, tras la desaparición de los dinosaurios que recorrieron los escenarios en los lejanos 60’s. Incluso, se dice que de no haber sucumbido a sus propios excesos, podían haber llegado a ser catalogados de la misma manera que otras bandas como míticos.

Por ello resulta paradójico que su penúltimo álbum, el que más ventas obtuvo, el que los encumbró en la cima máxima de la popularidad, Hotel California, fue a la  vez su canto de cisne.

"Hotel California" Eagles, versión 1977

La canción que co-escribió con Don Henley es una alegoría a la California de los años 60’s, cuna del movimiento hippie, del conocido como rock de la costa oeste, centro en que convergieron músicos y artistas y gente de todas partes y en que a la vez se desarrollaron muchos de los símbolos de la decadencia de los tiempos modernos como las drogas alucinógenas, el sexo libre, los conceptos radicales y extremos de la libertad personal (esto es, ese rollo que David Bowie aborrecía y que lo llevó a proponer una propuesta diferente -más artística- y a afincarse en el otro extremo, la costa este).


Conformación histórica de Eagles, que duraría hasta el álbum "One of these night" 1975. De izquierda a derecha, Bernie Leadon, Randy Meisner, Don Henley y Glenn Frey

Segunda y última etapa de la banda. Timothy Schmit. Glenn Frey, Don Henley, Joe Walsh

La frase Hotel California, no hace alusión a ningún negocio de hospedaje, real o ficticio, es una alegoría de California como un lugar de desmadre, en que se llevó a cabo una gran fiesta y luego todos se marcharon dejándole solo sus miserias (El edificio de estilo clásico que aparece en la tapa del álbum, es el hotel Holliday Inn de la ciudad de Los Angeles).

Don Felder. Creador del famoso
riff de guitarra de Hotel California
La fama, el dinero y las drogas llevó a Frey y sus demás compañeros a la misma vida de desenfreno que de alguna manera se deja traslucir en la letra de la canción y también terminaron sucumbiendo.

Además, la orientación empresarial que Glenn Frey aplicó a la actividad artística de la banda, lo llevó a convertirse en una suerte de tirano por la excesiva mano fuerte que aplicaba. Esa actitud hizo alejarse a Randy Meisner, a Bernie Leadon y más adelante a Don Felder, guitarrista que ingresó a la banda antes de la partida de los dos primeros, convirtiéndola en un quinteto con una línea de tres guitarras y un bajo.


"How Long" Eagles

Para la grabación del álbum Hotel California el guitarrista Bernie Leadon se había marchado e ingresado en su reemplazo Joe Walsh. Luego se iría Meisner quien sería reemplazado por Timmoty Smith, quedando así la alineación Frey, Henley, Felder, Walsh y Scmit, con la que se culminó la primera etapa en 1980 y que luego que se presentó en el año 1994 en un programa de televisión (Hell Freezes Over), dando inicio a la segunda etapa, si bien la más larga, dedicada a las giras y conciertos más que a la grabación de nuevo material, aunque con gran éxito económico.

En lo personal, siempre tuve la esperanza, hasta antes de la muerte de Frey, de poderlos ver en directo en mi país. Esa posibilidad se ha desvanecido con el acuerdo tomado por los demás integrantes de poner punto final a la existencia de Eagles.

"Hotel California"


Paul Kantner y el aeroplano de Jefferson (1941-2016)


Álbum "Take Off" Jefferson Airplane 
La movida hippie se fue gestando a lo largo de varios años y podríamos decir sin temor a equivocarnos, que su origen data de la década de los 50’s aunque su aparición o presentación en sociedad se dio a mediados de los años 60’s.

Fueron muchos los elementos que con el paso del tiempo se fusionaron para darle forma, tanto estética como ideológica.

La pinta, el pelo largo en los varones y lizo, largo y caído en las mujeres; la indumentaria, ropa de corte eduardiano adquirida en tiendas de ropa usada, con collares, pulseras, sandalias fue prestada del movimiento beatnik y de los clanes surfers de las playas de California de los años 50’s.

En cuanto a la música, la movida no adoptó el jazz al igual que los intelectuales y artistas que habitaban las casas de alquiler económico en la bahía de San Francisco, sino el rock’n’roll y el folk, aunque sí imitaron el consumo de marihuana.

Estos proto hippies eran en su mayoría jóvenes recién salidos de la adolescencia y pertenecientes a familias de clase media que escapaban de la vida anquilosada de las zonas suburbanas que poco a poco comenzaron a poblar los mismos lugares que los beatniks, como es el caso del barrio de Haight & Ashbury. Su ser inquieto, ruidoso fue alejando a sus antiguos ocupantes y comenzó a quedar mayor espacio para que más jóvenes pudieran llegar y conseguir albergue barato en las casa de la zona.

Cuando en febrero de 1964, los Estados Unidos conocieron el fenómeno de la beatlemanía, muchos de estos jóvenes decidieron organizarse en bandas en las que ensayaban una mezcla de rock’n’roll  y folk. Algunos avispados con capital suficiente, decidieron habilitar casonas antiguas como lugares de baile, contratando a grupos de manera más o menos estable. En dichos locales se comenzaron a desarrollar fiestas amenizadas por aquellas bandas en la que la música era sazonada con alcohol, marihuana y productos alucinógenos que comenzaron a ser introducidos por químicos autodidactas.

Cuando lo que ocurría en San Francisco fue haciéndose conocido en otras partes de los Estados Unidos, otros cientos de adolescentes decidieron unirse al rollo, algunos tan solo para pasar el rato sin frenos ni controles, otros con afán de experimentación y algunos con afán artístico.

Paul Kantner Lorin, conocido como Paul Kantner, no necesitó venir de lejos porque el nació en San Francisco, pero trabó amistad con uno venido de Ohio, de nombre Martyn Jerel Buchwald, que sería conocido en el mundo de la música como Marty Balin.

Jefferson Airplane (conformación del año 1969) Grace Slick, Jorma Kaokunen, Jack Casady, Marrty Balin, Paul Kantner y Spencer Dryden   
Balin había conseguido algo de dinero tocando en algunas bandas y también gracias a su oficio de pintor y escultor. Había participado como bailarín en una película que tuvo repercusión a nivel mundial titulada West Side History. Con lo que tenía montó una casa de baile y le planteó a Kantner (guitarra) formar un grupo que toque en dicho lugar. A ellos se les unirían luego Skip Spence (batería), Jorma Kaokunen (guitarra), una chica de nombre Signe Anderson que fue elegida vocalista y finalmente Jack Casady (bajo). Era el año 1965. El nombre que le dieron a la banda fue uno inspirado en un presidente de los Estados Unidos, Thomas Jefferson. El nombre fue originalmente The Blind Thomas Jefferson Airplane, que luego se simplificaría como Jefferson Airplane.
Sus presentaciones en el club “Matrix”, nombre que le dio Balin a su sala de baile, pronto comenzaron a estar en boca de todos los chicos y chicas que poblaban la zona de Haight. Su propuesta musical fue el denominado folk rock inspirado en los trabajos de Bob Dylan, The Byrds y como no de The Beatles. Cuando a las letras de las canciones de aquella onda, se les comenzó a agregar las experimentaciones que algunos compositores habían tenido con alguna droga alucinógena, a esa música se le comenzó a llamar rock psicodélico. Jefferson Airplane se constituyó en uno de los puntales de la psicodelia y así fue como les llegó un contrato de la RCA para grabar su primer álbum en 1966, Jefferson Airplane Takes Off, el cual obtuvo buenas ventas no solo en San Francisco, sino también en otros lugares a donde nunca habían ido, ello les permitió su primer disco de oro y ser contratados para locales más grandes.

"House at Pooneil Corners" Jefferson Airplane desde una
azotea en Nueva York, 1968. The Beatles imitarían la idea
en 1969 en la filmación de Let It Be 

Cuando la vocalista Signe Anderson dejó la banda para dedicarse al cuidado de su primera hija, el puesto fue ocupado por Grace Slick, una cantante de  otro grupo con cierto prestigio, The Great Sociaty. Así quedó conformada la alineación fundacional de Jefferson Airplane. Grace Slick se convertiría no solo en un elemento insustituible en la banda sino en una de las mejores cantantes de la costa oeste.

Grace aportó también temas que había escrito durante su estancia en Great Sociaty, que luego se convertirían en temas clásicos de Jefferson, como “White Rabbit” y “Somebody to Love” temas puntales de la psicodelia y que aparecieron en el nuevo álbum Surrealistic Pillow de 1967.

"Somebody To Love" jefferson Airplane en el festival de Monterey 1967

Con dos discos exitosos, tocando para grandes audiencias y con buena cantidad de dinero, los Jefferson Airplane se convertirían en representantes de aquel fenómeno que se desarrolló en el verano boreal de aquel año 1967 que se denominó “El verano del amor” acontecimiento que presentó al mundo el movimiento artístico, filosófico y cultural denominado Movimiento Hippie.

Jefferson Airplane compartió con otras bandas de San Francisco, como The Gratful Dead, la Big Brother and the Holding Company y su cantante Janis Joplin, el reinado del rock conocido como “rock de la costa oeste” y participó, junto a ellas, en los tres conciertos multitudinarios que registro como parte de su existencia el movimiento hippie, el festival de Monterey, Woodstock y Altamont que se desarrollaron en 1967 y 1969.

Paul Kantner comenzó a sobresalir en la composición cuando escribió el tema Wooden Ships que sería un éxito de Crosby, Stills & Nash. Luego escribió el tema “We Can Be Together”  aparecida en el álbum Volunteer’s de 1968 y que contenía las famosa líneas “contra la pared, hijos de puta” y “con el fin de sobrevivir, nosotros robamos, engañamos, mentimos, falsificamos, fornicamos, nos escondemos y conciliamos”.

En 1969 comienzan a aparecer los primeros problemas que llevarían más adelante a la disolución de Jefferson Airplane. Kantner inicia una relación sentimental con Grace Slick mientras ella era pareja oficial del baterista Spencer Dryden. Luego que Slick se separa de Drynden, Kantner y ella comienzan una relación de convivencia.

Paul Kantner, Grace Slick y la hija de ambos, China
En 1970, Kantner edita su primer álbum solista denominado Golpe contra el Imperio de signo futurista con el apoyo de su pareja la cantante Grace Slick. Es a partir de dicho trabajo que Kantner y Slick comienzan a gestar la banda Jefferson Starship que sucedería a Jefferson Airplane cuando quedó disuelta en 1974. Jefferson Starship desarrollaría una música más acorde con los gustos del mercado. A la banda se unirían luego Marti Balin y otros ex-miembros de Jefferson Aerplane, por lo que muchos consideran que se trata de dos etapas de una misma historia.

En 1978, Kantner y Slick se separan, siendo retirada también de la banda. Kantner seguirá con Jefferson Starship y en 1984 abandona su creación, época en que retorna Grace Slick. Ella y los otros músicos reconvertirían a Jefferson Starship en tan solo Starship, proyecto que tendría gran repercusión en MTV.

En la década de los 90’s Paul Kantner, recuperaría el nombre de Jefferson Starship y lo relanzaría con discos y conciertos, manteniéndose en actividad hasta el 28 de enero del presente año día en el que falleció.

Un dato, ese mismo día falleció también la primera vocalista de Jefferson Airplane, Signe Anderson, que fuera sustituida por Grace Slick.

"Volunteers" Jefferson Airplane

Queremos también ofrecer nuestra gratitud eterna, sin importar el oficio, a:

Ninón Sevilla, Tim Drummond, Dallas Taylor, Demis Roussos,
Danny McCullough, Leonard Nimoy, Daevid Allen, Mike Porcaro,
Andy Fraser, Cynthia Lennon, Luis Delgado Aparicio, Bob Burns,
Eduardo Galeano, Günter Grass, Percy Sledge, Ben Molar,
Maya Plisétskaya, Pancho Guevara, Manuel Acosta Ojeda,
Louis Johnson, Christopher Lee, James Last, Ornette Coleman,
Hugo Blanco, Laura Antonelli, Dick Van Patten, Omar Sharif,
Joan Sebastian, Tom Moore (creador de Archie), Lynn Anderson,
Cilla Black, Raphy Leavitt, Miguel Ángel Cornejo, Guillermo Rubalcaba,
Maruja Venegas Salinas, Armando “Manny” Martinez (ex Teen Tops),
Fredy Ternero, Humberto Martinez Morosini, Steve Mackay,
Maureen O’Hara, Luis Díez-Picazo, Phil Taylor,
Leonardo Franco (Los Iracundos), Robert Loggia, Long John Hunter,
Robert Stigwood, Alfredo “Chocolate” Armenteros, Alan Rickman,
Ettore Scola…
(*) Mientras escribía este post, se anunció la muerte de Paul Kantner.
Soundtrack:
Those Magic Moments - The Drifter’s
Hey, Mr. Melody - Natalie Cole
Last Dance - David Bowie
Tequila Sunrise - Eagles
White Rabbit - Jefferson Airplane

Concepto, texto y referencia:
MAX MARRUFFO S.